Voici un panorama des meilleures écoles de théâtre et de formation d’acteurs en France.

Les grandes écoles nationales

Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique (CNSAD – Paris)
Situé dans le 9e arrondissement de Paris, le CNSAD est l’école de théâtre la plus prestigieuse de France. Depuis 1795, il forme les acteurs, metteurs en scène et pédagogues.

• Diplôme : Diplôme National Supérieur Professionnel de Comédien (DNSPC).
• Atouts : enseignement exigeant, professeurs réputés, réseau exceptionnel.
• Anciens élèves : Isabelle Huppert, Michel Bouquet, Denis Podalydès.

École de la Comédie de Saint-Étienne
Centre dramatique national et école de théâtre reconnue, elle propose une formation gratuite en trois ans.

• Atouts : forte orientation pratique, insertion professionnelle.
• Spécificité : nombreux partenariats avec des metteurs en scène contemporains.

École du Théâtre National de Strasbourg (TNS)
Créée en 1954, c’est la seule école de théâtre en France à être rattachée à une scène nationale.

• Formation : acteurs, metteurs en scène, dramaturges, régisseurs.
• Atouts : grande ouverture internationale, excellence artistique.
• Anciens élèves : Ariane Ascaride, Charles Berling.

École Régionale d’Acteurs de Cannes et Marseille (ERACM)
Établissement supérieur de théâtre reconnu par l’État, situé entre Cannes et Marseille.

• Formation : acteur, metteur en scène.
• Atouts : immersion dans la pratique scénique et liens forts avec les festivals méditerranéens.

Les conservatoires et écoles supérieures en région

Conservatoires Nationaux Régionaux (CNR)
De nombreuses villes (Lyon, Bordeaux, Lille, Rennes, Toulouse…) possèdent un conservatoire à rayonnement régional ou départemental.

• Formation : classes préparatoires et DNSPC pour certains.
• Atouts : formation publique, coût réduit, grande exigence technique et artistique.

École Supérieure d’Art Dramatique (ESAD – Paris)
Une école rattachée à la Ville de Paris qui forme des comédiens en trois ans.

• Atouts : pédagogie axée sur l’interprétation et la pratique contemporaine.
• Particularité : accès via concours sélectif.

École Supérieure d’Art Dramatique de Lille
Reconnu pour sa qualité, ce conservatoire supérieur prépare également au DNSPC.

Les écoles privées de renom

Cours Florent (Paris, Bordeaux, Montpellier, Bruxelles)
Probablement l’école privée la plus connue. Formation ouverte, mais sélective à l’audition.

• Atouts : pédagogie diversifiée, ouverture au cinéma et à la télévision, grands réseaux.
• Anciens élèves : Gad Elmaleh, Audrey Tautou, Guillaume Canet.

Cours Simon (Paris)
Fondé en 1847, c’est l’un des plus anciens cours privés d’art dramatique.

• Atouts : tradition classique et réputation historique.
• Anciens élèves : Michel Galabru, Anouk Aimée.

Cours Jean Périmony (Paris)
École privée de renom qui met l’accent sur l’interprétation classique et contemporaine.

Les universités et parcours académiques

Certaines universités françaises proposent également des formations théâtrales au sein des départements Arts du spectacle :

• Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle : Licence et Master Arts du spectacle (parcours théâtre).
• Université Paris Nanterre : forte tradition de recherche et de pratique théâtrale.
• Université Lyon 2 : Licence et Master Arts du spectacle (théâtre et cinéma).
• Université de Strasbourg, Toulouse, Rennes 2, Bordeaux Montaigne : offrent aussi des parcours théâtre dans leurs filières arts.

Conclusion

La France dispose d’un éventail unique de formations pour devenir comédien ou comédienne.

• Pour viser l’excellence et rejoindre une institution de prestige, les écoles nationales comme le CNSAD, le TNS ou l’École de la Comédie de Saint-Étienne restent les plus sélectives.
• Les conservatoires régionaux offrent un excellent tremplin, notamment pour préparer les concours des grandes écoles.
• Les cours privés (Cours Florent, Simon, Périmony) permettent une formation flexible et reconnue.
• Enfin, les universités proposent un cadre académique enrichissant pour lier théorie et pratique.

Étudier le théâtre, c’est s’engager dans un parcours passionnant où la rigueur, la créativité et la rencontre avec le public deviennent le cœur du métier.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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Découvrons les universités françaises qui se distinguent dans ce domaine.

Les universités incontournables à Paris

Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle
Véritable référence, la Sorbonne Nouvelle propose une Licence Arts du spectacle (parcours cinéma), un Master Cinéma et Audiovisuel ainsi qu’un Doctorat en études cinématographiques. La formation est réputée pour son prestige académique et l’équilibre qu’elle offre entre théorie et pratique.

Université Paris 8 – Vincennes-Saint-Denis
Connue pour son approche expérimentale et créative, Paris 8 forme des étudiants à travers une Licence et un Master Cinéma et Audiovisuel. L’université est marquée par une forte tradition critique et une ouverture artistique héritée de Mai 68.

Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne
L’Université Paris 1 propose une Licence Arts du spectacle et un Master en études cinématographiques. Le cursus est particulièrement apprécié pour sa spécialisation en histoire et esthétique du cinéma, avec un ancrage académique solide.

Université Paris Nanterre (Paris 10)
Le département Arts du spectacle propose des parcours cinéma, du niveau Licence au Master. L’université articule une approche théorique exigeante avec des ateliers pratiques.

Université Paris Cité (ex-Paris Diderot et Descartes)
Certains parcours sont liés à l’image, à l’audiovisuel et aux médias. On y retrouve une approche pluridisciplinaire qui relie cinéma, médias et communication.

Université Paris-Saclay / Évry
Plus orientée vers l’image et les médias, cette université propose des cursus cinéma et audiovisuel en lien avec les sciences et technologies.

Les grands pôles en région

Université Lyon 2 – Lumière
À Lyon, berceau du cinéma, l’Université Lyon 2 propose une Licence et un Master en cinéma et audiovisuel. Ses étudiants bénéficient de partenariats avec l’Institut Lumière et le Festival Lumière.

Université Grenoble Alpes
Le département Arts du spectacle propose une Licence et un Master Cinéma et Audiovisuel, avec un équilibre entre théorie et pratique, et une proximité avec des festivals régionaux.

Université de Strasbourg
La Faculté des arts de Strasbourg propose une Licence Arts du spectacle (cinéma) et un Master en études cinématographiques. L’approche est pluridisciplinaire et l’université se distingue par ses partenariats internationaux.

Université de Lille
L’Université de Lille offre une Licence et un Master Cinéma et Audiovisuel. Les étudiants développent une solide culture critique et peuvent bénéficier d’un environnement culturel dynamique.

Université Toulouse – Jean Jaurès
Toulouse propose une Licence et un Master Cinéma et Audiovisuel, avec un large éventail de cours en histoire, esthétique, scénarisation et pratique filmique. La proximité avec le festival Cinélatino est un atout majeur.

Autres universités proposant des parcours cinéma

De nombreuses autres universités françaises disposent de départements Arts du spectacle avec des spécialisations cinéma :

• Université Rennes 2 : Licence Arts du spectacle (cinéma et audiovisuel), Master Arts : pratiques et théories.
• Université de Nantes : Licence Arts du spectacle (cinéma et audiovisuel).
• Université de Montpellier : Master Cinéma et Audiovisuel, très ancré dans la recherche.
• Université Bordeaux Montaigne : Licence et Master Arts du spectacle, parcours cinéma.
• Université de Caen Normandie : Licence Arts du spectacle (cinéma et théâtre), Master Cinéma.
• Université de Poitiers : formations cinéma intégrées aux parcours arts du spectacle.
• Université de Lorraine (Nancy et Metz) : enseignements cinéma et audiovisuel.
• Université d’Avignon : Master Culture, arts et médias avec options cinéma et audiovisuel.

Conclusion

L’offre universitaire française en cinéma est large et diversifiée. Paris concentre des pôles d’excellence comme Paris 3 et Paris 8, mais d’autres villes comme Lyon, Strasbourg, Lille ou Toulouse offrent également des parcours de grande qualité.

Étudier le cinéma à l’université permet d’acquérir une culture approfondie, d’apprendre à analyser et comprendre les films, et de développer progressivement ses compétences d’écriture et de création. C’est une voie idéale pour les futurs scénaristes, critiques ou chercheurs, et une excellente étape avant de se spécialiser davantage dans la pratique professionnelle.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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Les dates clés de l’histoire du cinéma : rafraîchissement

L’histoire du cinéma ne peut être étudiée sans en comprendre l’évolution technologique. Les deux allants de pairs depuis sa création, je vous propose tout d’abord les dates essentielles pour comprendre l’évolution technique du cinéma.

• 1816 : Invention de la photographie par Nicéphore Niépce.
• 1888 : Invention du celluloïd
• 1891 : Thomas Edison et les premiers pas du cinéma
• 1892 : Le premier dessin animé
• 1895 : Création du cinématographe des frères Lumière
• Le 28 décembre 1895 : Première séance publique de projection du cinématographe
• 15 mai 1902 : Le Voyage sur la Lune de George Melies, 14 minutes de narration.
• 1905 : Apparition des nickelodeons à Pittsburgh, premières “salles de cinéma”
• Le 6 août 1926 : Les Warner présentent le vitaphone, le son au cinéma n’est pas loin.
• Le 6 octobre 1927 : The Jazz Singer: le premier film sonore.
• 1932 : Le premier film en couleur avec le Technicolor, Des arbres et des fleurs” (1932) Silly Symphonies.
• 1950 : La TV devient un objet populaire.
• 1952 : Le cinéma en relief
• 1972 : Le son Dolby arrive dans les salles

L’histoire du cinéma doit être étudiée suivants trois piliers : son évolution technologique, son évolution artistique mais aussi l’évolution de sa diffusion.

La caméra obscura

Parlons dans un premier temps de la projection de l’image, dispositif clé de ce que sera le cinéma par la suite.

C’est durant l’Antiquité que l’homme découvre la caméra obscura, ancêtre du cinéma.

Grâce à une chambre obscure percée, la lumière du soleil projette sur un mur une image. La projection de ces images devient un spectacle, une attraction divertissante.

Le début de la reproduction du mouvement

Au début du XVIII siècle, la lanterne magique fait son apparition. Par un procédé de projection lumineuse sur plaque de verre peinte, une image animée par successions de plaques est projetée devant un public. Bien que rudimentaire, le mouvement de l’image commence à faire son petit bonhomme de chemin.

En parallèle, le concept de persistance retienne essentielle à la perception du mouvement voit le jour. Le thaumatope, le zootrope font leurs apparitions.

L’invention de la photographie :

En 1816, soit près de 80 ans avant la première projection cinématographique, le chercheur Nicéphore Niepce parvient à capturer et reproduire sur une plaque recouverte de sel d’argent une photographie.

La capture du réel par reproduction devient possible.

Toutefois, son invention paraît difficile à dater puisque les premières photographies ont disparu. Les dates semblent cependant tendre vers 1816 pour sa création et 1827 pour son application réelle.

Payer pour voir un film ? Le kinétoscope

En 1893, le kinetoscope envahit les foires. A travers un petit trou, le spectateur, seul, paye une petite pièce pour faire tourner une sorte de roue projetant une image animée. Souvent comiques ou cochons, cette invention est quelque part l’ancêtre du GIF !

Notez que le fait de payer pour voir représente les balbutiements de l’industrie cinématographique.

Les débuts du cinématographe :

Grâce à une invention remarquable proche de la machine à coudre qu’ils nommeront cinématographe, les frères Lumières parviennent à capturer le réel puis projeter des images animées à 16 images/seconde !

Ils organisent les premières projections cinématographiques publiques de films le 28 décembre 1895. En 1896, les Lumières entreprennent une tournée promotionnelle afin de faire connaître leur invention. Pendant cette période, ils autorisent plusieurs personnes et entreprises à utiliser cette même technologie grâce à un système de licences d’utilisation de l’appareil. Cependant, jusqu’en 1903, le cinéma n’était encore qu’une attraction. Il s’agissait seulement des expérimentation des frères Lumière avec des prises de vues telles que Arrivée d’un train en gare de La Ciotat. Il est difficile à ce moment là de parler de narration ou même de procédés cinématographiques.

Un outil de recherches et de sciences

L’outil cinématographique permettra cependant de belles avancées dans l’étude des mouvements que l’oeil seul ne pouvait pas analyser ou percevoir. Pensons notamment au travail du physiologiste Étienne-Jules Marey sur “le mouvement animal” grâce à la chronophotographie.

« Cette connaissance ne pouvait être acquise par l’observation simple, car l’attention la plus soutenue, concentrée sur l’action d’un seul muscle, a grand’peine à en saisir les phases d’activité et de repos, même dans l’allure la plus lente. Comment alors pourrait-on espérer de saisir à la fois l’action de tous les muscles des membres à toutes les phases d’une allure rapide? »

Étienne-Jules Marey

Ou encore au travail de Edward James Muggeridge (Muybridge) sur la décomposition photographique du mouvement qu’il nommera par ailleurs « description de la locomotion animale ».

Pour anecdote, son travail permettra une avancée certaine dans la représentation par les peintres du mouvement complexe de course des chevaux, mal représenté jusqu’alors.

Et le son ?

Les premières tentatives de son l’image apparaissent grâce aux travaux de Demeny sur le Photonoscope. Nous sommes en 1892, la convergence du son et de l’image avance. Anecdote amusante, Demeny enregistrera le premier “Je t’aime” facecam sur disque de verre.

N’oubliez pas que le “son” existe déjà depuis les débuts des images animées. Joué durant la projection par des acteurs et un orchestre, le film était bien joué en musique en live. C’est la capture sur bande et sa rediffusion synchronisée qui fait un pas en avant.

Naissance du cinéma muet : à la recherche du langage

Le premier film à succès, Le Voyage dans la lune, a été créé par Georges Méliès en 1902. Le langage cinématographique se construit comme un art narratif. Le truquage, le montage, l’histoire et les acteurs font leurs apparitions. Puisque le son n’est pas encore d’actualité, Méliès met en place un système de cartons pour narrer son histoire.

Cinéma burlesque et propagande soviétique

Le premier genre cinématographique, le burlesque, a été développé en 1908, lorsque le cinéma a été reconnu comme une forme d’art, grâce à des acteurs tels qu’André Deed et Max Linder.

Le langage du cinéma se construit peu à peu notamment grâce à D.W. Griffith entre 1908 et 1913.

Toutefois, si le cinéma se développe en copiant la narration du théâtre aux USA et en France, il connaîtra une autre utilisation côté soviétiquee.

A partir de 1917, après la révolution d’octobre, en raison de la nouvelle grammaire cinématographique élaborée par les cinéastes soviétiques, dont Dziga Vertov et Sergei Eisenstein, l’objectif des cinéastes soviétiques est d’utiliser cet art encore avant-gardiste au service de la propagande communiste. Il faut diffuser au plus grand nombre la magnificence du régime soviétique.

La langage cinématographique devient expérimental et vecteur politique.

Impressionnisme et expressionnisme sur grand écran

Simultanément, deux autres orientations d’avant-garde prenaient forme : L’impressionnisme en France et l’expressionnisme en Allemagne.

La première a débuté en 1916, mais a pris de l’ampleur en 1921 et s’est poursuivie jusqu’à la fin des années 1920. Pour l’école impressionniste, le langage visuel est le plus important. Les impressionnistes visent à créer des sortes de symphonies en images plutôt joyeuses. Parmi les cinéastes les plus importants de ce mouvement : Germaine Dulac, Marcel L’Herbier, Abel Gance, René Clair, ou encore Jean Epstein.

Le second mouvement prend son envol en 1919 avec Le Cabinet du Dr Caligari de Robert Weine. L’expressionnisme allemand met en avant le mal-être germain par une utilisation originale des décors et un ton fantastique témoin du malaise de l’époque. Deux pays, deux ambiances.

Le cinéma comique : de Buster Keaton à Chaplin

L’histoire a surtout retenu Charles Chaplin comme réalisateur, et surtout acteur comique de légende. Mais, il a été précédé par un autre monument du cinéma muet, l’acteur américain Buster Keaton. Celui-ci joue des rôles qui l’ont rendu immortel pour le public américain. On pense spontanément à son premier rôle dans Le Mecano de la General, un film où il joue ce héros que l’on attend pas, frêle conducteur de train qui va faire basculer la guerre grâce à ses ruses (et aussi grâce au hasard. Buster Keaton, c’est presque une centaine de films au total. Ce fut une des premières légendes Holywoodiennes, une star du cinéma muet.

Après son immense succès auprès de ses contemporains, il inspire les plus grands, à commencer par Charles Chaplin qui lui offrira la vedette bien plus tard, dans Les Feux de la Rampe en 1952.

Le cinéma muet déclenche l’essor du cinéma mondial

Après les précurseurs du cinéma muet, intéressons-nous à l’essor de cette première forme du 7ème art dans le monde entier. Grâce au cinéma muet, l’Amérique tombe amoureuse des films et Hollywood nait. Mais, en France et en Europe, de grands réalisateurs voient aussi le jour.

Le cinéma muet en France

Le succès du cinéma muet en France est également dû à l’émergence d’une nouvelle vague de réalisateurs talentueux originaires de Scandinavie (Danemark, Suède et Norvège), dont Victor Sjöström, Mauritz Stiller et surtout Carl Theodor Dreyer. Ces cinéastes ont contribué à lancer la grandeur du cinéma français en adaptant certains de leurs films pour le marché français, comme Vampyr ou La Passion de Jeanne d’Arc.

Le film de Dreyer, la passion de Jeanne d’Arc, est un petit bijou audacieux. Jamais les visages n’ont été si bien filmé. Le cinéma capture le gros plan et le divin.

Le cas de René Clair : un novateur français

Tout au long de sa carrière qui s’étend sur plus de 40 films entre 1910 et 1958, le réalisateur français René Clair a donné de nouvelles règles à l’esthétique du cinéma en combinant l’art moderne et les techniques de montage pour créer des images surréalistes avec des étonnants liens thématiques.

La carrière de Charlie Chaplin

Chaplin a tourné plusieurs films à succès avec la compagnie américaine d’Adolph Zukor avant de passer au First National Studio en 1918. Après The Kid (1921), où il joue le rôle d’un jeune père, Chaplin réalise The Pilgrim (1923) en extérieurs dans le Massachusetts et le Maine, qui devient son premier film américain sans dialogue… Il a également joué deux personnages simultanément – l’inepte Alonzo Hawk et son rival beauf John Sliver – tous deux essayant de faire la cour à Edna Purviance.La présence à l’écran du célèbre clochard était parfaite pour le rôle d’un gentleman voleur ou d’un politicien opportuniste. Au cours de cette période (1918-1923), il réalise également Une vie de chien (1918), Bras d’épaule (1918), Le Bond (1920), Pay Day (1920).

Hollywood : la naissance des studios mythiques du cinéma américain

Les premiers grands studios d’Hollywood, comme laet (qui deviendra Columbia Pictures) ouvrent leurs portes en 1918. L’année suivante, la Columbia prend en charge la production de films, ce qui donne naissance à la grande industrie cinématographique américaine telle que nous la connaissons aujourd’hui avec ses beaux décors clinquants et ses films extravagants. Un autre studio, Universal Pictures, est lancé en 1912 par Carl Laemmle.

Il créa un style proche de celui du burlesque avec des effets spectaculaires et des figures mythiques comme Frankenstein et Dracula, qu’il utilisait dans ses films. Il réussit ainsi à créer un nouveau genre d’horreur dans une tradition américaine qui avait déjà vu les œuvres d’Edgar Poe adaptées sur grand écran. 

La révolution du cinéma parlant

Le premier film parlant, Le chanteur de jazz, est sorti en 1927. Le passage au cinéma sonore n’est pas sans difficultés ; de nombreux grands noms du septième art voient leur carrière décliner parce qu’ils n’ont pas su s’adapter.

L’apparition du son entraîne la fin du cinéma muet

Mais le cinéma muet disparaît définitivement dans les années 1930. Rares sont les acteurs qui ont réussi cette transition. En effet, le poids des mimiques et de la gestuelle a considérablement diminué pour tendre vers un jeu plus naturel où la voix et les intonations avaient désormais une importance considérable. Charles Chaplin en est le meilleur exemple.

La naissance des films parlés a inauguré un nouveau type de cinéma français connu sous le nom de réalisme poétique. L’âge d’or du cinéma français est marqué par les œuvres de Jean Renoir (Oui le fils de Renoir.) et Jean Gabin, selon les critiques.

Le cinéma américain prend une ampleur mondiale

Dans le même temps, le réseau de distribution américain continue de se développer, pour finalement devenir et rester une partie de l’industrie cinématographique mondiale. Ainsi, tout ce qui est produit à Hollywood parvient inévitablement en Europe dès les années 1930. Le public français connaît aussi bien les stars américaines que les acteurs français.

Les Etats-Unis ont compris le poids économique que pouvait représenter l’industrie du cinéma, en même temps que l’atout culturel (soft power) que cet art pouvait représenter pour diffuser leur art de vivre et leur mode de pensée.

Le développement inédit du cinéma italien

Peu avant la Seconde Guerre mondiale, l’Italie s’est fait une place dans l’univers encore très fermé des pays producteurs de cinéma , grâce au dictateur Mussolini qui a fait construire les studios de Cinecitta sous son régime. Néanmoins, il n’a pas pu totalement maîtriser et contrôler cet art naissant. En effet, la censure de Mussolini a été défiée par plusieurs réalisateurs, et le néo-réalisme italien est né avec Ossessione de Luchino Visconti en 1942. D’autres réalisateurs, tels que Vittorio de Sica et Roberto Rossellini, contribuent à l’essor du cinéma italien durant cette période.

L’Arrivée du Cinéma en Couleurs

Les Premières Expérimentations (1895-1920)

Dès les débuts du cinéma, les réalisateurs cherchent à introduire la couleur dans les films. Les premières tentatives consistent à colorier les images à la main, image par image, comme le faisait Georges Méliès. D’autres techniques émergent, comme le pochoir et la teinture chimique, utilisées notamment par les studios Pathé avec le procédé Pathécolor.

En 1908, le Kinemacolor devient le premier procédé commercial de cinéma en couleurs, utilisant un système bichrome (rouge et vert). Malgré son succès relatif, il reste limité en termes de rendu des couleurs et de fluidité.

L’Avènement du Technicolor (1920-1950)

Dans les années 1920, le Technicolor révolutionne le cinéma en introduisant un procédé de trichromie (rouge, vert, bleu). La première version, développée en 1917, ne rencontre pas un succès immédiat, mais en 1932, le Technicolor trichrome s’impose comme la norme pour les productions en couleurs.

Des films comme Le Magicien d’Oz (1939) et Autant en emporte le vent (1939) démontrent l’impact visuel et narratif de la couleur, attirant un large public. Pendant les années 1940-50, le Technicolor est utilisé dans de nombreux genres, du western au film musical, donnant naissance à des chefs-d’œuvre visuellement éclatants.

La Transition Définitive vers la Couleur (1950-1970)

Dans les années 1950, la couleur devient la norme avec l’arrivée du Eastmancolor, un procédé plus économique et plus facile à utiliser que le Technicolor. Cette démocratisation marque la fin progressive du cinéma en noir et blanc, bien que certains réalisateurs continuent d’exploiter ce dernier pour des raisons artistiques (Psychose d’Hitchcock en 1960, Raging Bull de Scorsese en 1980).

Impact sur l’Esthétique et la Narration

L’introduction de la couleur transforme radicalement la mise en scène et la narration cinématographique. Les réalisateurs exploitent les palettes chromatiques pour exprimer des émotions, structurer la composition de l’image et renforcer le symbolisme des scènes. Des cinéastes comme Stanley Kubrick (Barry Lyndon), Alfred Hitchcock (Vertigo), ou encore Wes Anderson font de la couleur un élément central de leur style visuel.

Le cinéma mondial connaît un boom post seconde guerre mondiale

Après la seconde guerre mondiale, le cinéma connaît un nouvel élan. Le nombre de salles continue de croître, et la télévision n’est pas encore apparue. De nouveaux mouvements émergent, notamment en France. Quant à Hollywood, le symbole de la culture américaine continue de se développer, avec moins de films mais davantage de productions.

Le cinéma français d’après-guerre

La fin de la Seconde Guerre mondiale voit la réouverture des salles de cinéma et des sociétés de production qui avaient été fermées pendant la guerre. Un nouveau type de cinéma émerge après les bouleversements provoqués par les changements sociaux tels que la décolonisation, la déchristianisation… Ce nouveau type de cinéma s’appelle le “cinéma vérité“. Il s’agit de montrer sur pellicule la vie quotidienne des gens.

La Nouvelle Vague

La Nouvelle Vague est un mouvement du cinéma français qui a débuté au début des années 1950 et a duré jusqu’à la fin des années 1960. Les 400 coups (1959) de François Truffaud et À bout de souffle (1960) de Jean-Luc Godard sont deux films qui illustrent parfaitement ce mouvement. Ces deux films sont devenus le point de départ de nombreux réalisateurs français et ont démontré que le cinéma de studio classique n’était pas l’unique voie à suivre. La Nouvelle Vague est souvent accompagnée d’un certain climat : les manifestations étudiantes, les événements de mai 1968 et la guerre du Viêt Nam sont autant d’ingrédients qui ont contribué à ce nouveau mouvement cinématographique.

Nouvel âge d’or pour Hollywood

Dans les années 70, le cinéma américain entre dans une nouvelle phase. Les grands studios commencent à sortir moins de films qu’auparavant et leur production augmente considérablement. Quant à Hollywood, ce n’est plus son âge d’or, mais il fait toujours rêver. Il s’est déplacé vers les banlieues où l’on a construit “les usines à rêves”. Puis, progressivement, au cours des années 1980, les productions indépendantes ont pris le relais pour des raisons économiques et politiques, et le cinéma populaire est devenu un cinéma grand public : des films comme Terminator (James Cameron), Retour vers le futur (Robert Zemeckis) ou Indiana Jones (Steven Spielberg) représentaient ce nouveau type de cinéma..

Cette évolution s’accompagne également d’une explosion de la cinématographie américaine en dehors de l’Amérique : en Europe mais aussi en France.Avec l’effondrement de l’URSS, et donc avec un énorme marché à conquérir (et à se réapproprier), Hollywood n’allait pas laisser passer cette opportunité.

“Le cinéma est un art d’émissaires” : Marc Fumaroli a cité cette phrase d’André Malraux, auteur célèbre et ancien ministre de la culture français, dans sa conférence sur le cinéma américain à la Sorbonne avant de la lancer sur le sujet : “Un film est comme un ambassadeur. Mais à la différence, par exemple, de la culture ou de la musique, le film est descendu de son piédestal parce que nous l’avons mis dans les multiples formes qui nous entourent maintenant…”

La 3D dans le cinéma : nouvel âge d’or ou phénomène éphémère ?

L’arrivée de la 3D au cinéma s’est accompagnée de nombreuses promesses : émerveillement, magie, authenticité… Mais, de plus en plus, cette technologie semble synonyme de confusion, nausée et ennui. Aujourd’hui, on ne parle plus de ces questions, sauf pour s’en moquer. Car si les films en 3D se font encore (Gravity par exemple), ils sont souvent poussés dans la marginalité ou déviés de leur but initial. Par exemple, le gros blockbuster de cet été, Jurassic World, a dévié de la trajectoire de ses deux prédécesseurs, tous deux tournés en 2D.

La 3D d’abord vue comme un nouvel âge d’or

Dans un premier temps, les films en 3D avaient d’abord semblé signer un nouvel âge d’or du cinéma. Avatar avait fait sensation quand James Cameron l’avait dévoilé au grand public. Ce film avait même signé des records d’audience au box-office. Néanmoins, déjà à ce moment, les critiques fusaient à propos du manque de scénario. En effet, les images et leur côté époustouflant grâce à la technologie 3D avait tendance à éclipser le fond. C’est d’ailleurs ce que l’on reproche en général au cinéma en trois dimensions.

Promesses déçues de la 3D

Au-delà de la promesse du spectaculaire, les films en 3D n’ont pas attiré un grand public depuis leur apogée fin 2011. Les obstacles technologiques sont nombreux, ce qui explique les limites de cette innovation. D’abord, il faut des lunettes pour visionner ce genre de films au cinéma, et le prix de l’entrée est de plus élevé par rapport aux films traditionnels. Ensuite, il est presque impossible de revoir ce film après sa sortie en salle car les télévisions 3D ont fait un vrai flop auprès du grand public.

Le mot de la fin

L’avenir du cinéma se dessine plutôt loin des salles avec le petit écran, non pas la télévision mais l’ordinateur. En effet, des géants sont en train de conquérir de nouvelles parts de marché dans les plateformes de streaming : Amazon Prime Vidéo, Netflix, Apple, ou encore Disney+.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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-lors de l’écriture du scénario

-au tournage

-au montage.

De nombreux théoriciens du cinéma tels que Serguei Eisenstein, Marcel Martin ou Christian Metz se sont largement penchés sur les différentes utilités et appellations du montage. Parmi elles tu retrouveras deux méthodes fréquemment utilisées au cinéma et étudiées à l’université : le montage parallèle et le montage alterné (également appelés syntagme parallèle et syntagme alterné chez Metz, qui leur donnera une définition légèrement différente de celle de Marcel Martin). Ces deux procédés sont les pôles du montage dit “expressif”.

Qu’est-ce que le montage parallèle ?

Contrairement au montage alterné le montage parallèle permet de montrer deux séries de plans ayant lieu dans un espace et/ou temps différents . Les plans de la première action sont montés parallèlement à ceux de la seconde action faisant ainsi naître le sens de l’histoire par leur juxtaposition sans qu’il y ait de continuité diégétique. Le montage parallèle a en fait pour rôle de créer un effet de comparaison et donc une symbolique entre deux situations. Prenons pour exemple La grève de Serguei Eisenstein (1924) en déterminant deux types de situations, dans notre cas, situation A et situation B :
Situation A : L’égorgement d’un veau.
Situation B : L’e massacre des ouvriers.

Le montage de plans de la situation A mis en parallèle avec ceux de la situation B créé non seulement la métaphore mais suscite aussi l’émotion : les ouvriers sont traités comme du bétail.
Charlie Chaplin file la même métaphore dans le film Les temps modernes (1936).
Situation A: on nous montre un troupeau de moutons allant dans la même direction.
Situation B: sortie de métro des ouvriers se rendant à l’usine, tous affublés du même chapeau.
Le montage a pour effet ici aussi la comparaison, le symbole de l’aliénation par le travail et la société moderne est, ici encore, extrêmement puissant.

Comment et pourquoi l’utiliser ?

Si l’on parle de montage parallèle, gardons en tête que ce procédé doit être compréhensible et donc rédigé tel quel dès la phase d’écriture puisque son effet dépend de la diégèse, du schéma narratif de ton film. Si tu souhaites intégrer une comparaison par la juxtaposition de deux histoires, il faut que leur signification soit comprise non seulement par ton futur spectateur mais aussi par ton lecteur ! (Eh oui, pas de secret, pour écrire un scénario qui parle à toute l’équipe, se mettre à la place de tes collaborateurs dans chacune des phases de leur travail, production/tournage/post-production et comprendre le rôle de chacun restera un vrai plus pour toi !)
Pour ce faire, pas de panique. Tu peux commencer par écrire tes histoires, mais lors de la phase d’écriture du scénario tu devras pourtant rester vigilant à bien les entrelacer de manière à faire naître la symbolique, le sens, l’émotion désirés.
Prenons la séquence de la course aux lièvres/course poursuite dans le film Snatch (2000) de Guy Ritchie. Des plans de lévriers chassant un lièvre sont montés parallèlement à ceux de la course poursuite, passant ainsi de la situation A à la situation B. Les deux actions s’entrelacent pour faire naître le rapport naturel du chasseur et de la proie.

Ici un extrait du scénario de Snatch -en anglais cette fois- correspondant à l’écriture du montage parallèle de la course poursuite, pour exemple :
(Intégralité du script ici 🙂 )

Si j’ai pu te montrer ici des exemples hautement symboliques, sache que le montage parallèle peut prendre d’autres formes. Les situations montrées peuvent faire aller le personnage de son présent à son passé pour expliquer un traumatisme par exemple. Pour que son effet soit des plus réussis, tu dois l’avoir mûrement réfléchi en amont et avoir une idée bien précise de son timing. A toi maintenant de tresser autant de récits qu’il te plaira !

J’espère avoir pu t’aider.

Je te dis à bientôt.

Julie Fayant

Je m’appelle Julie Fayant, je suis passionnée de cinéma et titulaire d’un Master 2 en Recherches cinématographiques.

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Setup payoff: en quoi ça consiste exactement ?

On peut traduire « setup payoff » de l’anglais par « préparation paiement ». On parle aussi d’ « insert » ou encore de « foreshadowing » pour nommer cette technique et en particulier le premier volet, la préparation.

Le but du setup payoff est de créer un rebondissement inattendu mais cohérent dans l’intrigue. Cela surprend ainsi le spectateur et amène une bonne dose twist dans votre scénario.

Le procédé préparation/paiement repose sur un principe en deux volets.

• On introduit un élément nouveau lors de la phase de préparation. La nature de cet élément est variée : objet, personnage, action, réplique, événement…
• Dans un deuxième temps, on ressort cet élément utile pour la construction d’une scène : c’est le « paiement ».

La Préparation (setup)

Chaque élément de l’intrigue doit être introduit au préalable de manière réfléchie. On parle alors d’un insert dans le jargon technique.
Sans cette phase de préparation, le spectateur n’adhère pas à l’effet de surprise. En effet, parachuter un élément pour créer un rebondissement manque de crédibilité. C’est la voie ouverte à un grand n’importe quoi. La préparation a donc pour but de créer un lien logique qui justifie la présence de l’élément dans la suite du scénario.
L’utilisation d’un insert amène de la tension et de l’attente. Il est donc obligatoire ensuite de répondre sous peine de décevoir. C’est le rôle du paiement.

Le Paiement (payoff)

L’insert est bien en place ? Il est temps maintenant de le déterrer au meilleur moment de votre scénario pour le paiement. L’élément va alors devenir une pièce essentielle pour faire avancer l’histoire ou débloquer une situation.
Dans la série des James Bond, les inserts sont légions. Le cas typique est le gadget anecdotique (ex : un trousseau de clés qui explose au sifflement de chanson) présenté au début du film lors de la traditionnelle visite du laboratoire du docteur Q. Plus tard, au moment où Bond est dans une situation périlleuse, il utilise cet objet d’une manière détournée pour renverser la situation. C’est un cas d’école.
Cependant, cette technique peut être utilisée de manière beaucoup plus subtile pour scotcher le public. Le maître Hitchcock en est la parfaite illustration avec l’utilisation célèbre d’une paire de ciseaux dans « le crime était presque parfait ».

Le mot de la fin

Le setup payoff est une technique d’écriture efficace pour enrichir votre scénario. Mais attention à ne pas abuser des bonnes choses. Si vous utilisez ce procédé plusieurs fois dans le même script, vous risquez de plonger le spectateur en état d’alerte permanent à la recherche du moindre indice apparent. Par conséquent, cela dégrade l’expérience du public.

Envie de passer à l’action ? Téléchargez immédiatement mon Guide d’écriture d’un bon personnage.

J’espère avoir pu vous aider.

Je vous dis à bientôt.

Timothée

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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Alors directeur de l’institut supérieur cinématographique d’état, ce cinéaste russe mène une expérience inédite et légendaire auprès de ses étudiants en 1921. Cette initiative donne alors naissance à un effet de montage surprenant à l’époque : le fameux effet Koulechov (encore appelé effet K). Celui-ci permet de changer la signification d’un plan en utilisant le montage d’un film.

Envie d’en savoir plus ? Vous êtes au bon endroit. Vous allez découvrir le fonctionnement de cet effet et son intérêt.

Qui est Lev Koulechov ?

Après la mort de son père, Lev Koulechov décide à l’âge de 18 ans de s’installer à Moscou et suit des cours à l’académie russe des beaux-arts. Par la suite, il devient rapidement l’assistant du plus célèbre réalisateur russe de l’époque, Evgueny Bauer.

Pendant la révolution russe de 1917, Lev Koulechov est engagé comme reporter par les révolutionnaires. Par la suite, le parti bolchevique le nomme chef du service des actualités de l’armée rouge.

En 1920, on lui demande de prendre en charge une formation pour former de nouveaux comédiens pour le cinéma. Mais le manque d’électricité et de pellicule ne lui facilite pas la tâche. C’est à ce moment que Koulechov fait appel à toute sa créativité et tente alors diverses expériences innovantes.
Il voit le cinéaste comme un artiste-peintre. Le montage d’un film devient pour lui alors l’essence même de l’art cinématographique. De ces réflexions, le jeune cinéaste imagine de nouvelles techniques pour monter un film. Il teste ses idées avec l’aide de ses étudiants. L’effet K est alors le fruit de cette volonté de pousser le cinéma comme un véritable art singulier.

Par la suite, Koulechov réalise de nombreux films dont « Dura Lex » en 1926, considéré comme son chef-d’œuvre. La reconnaissance internationale vient tardivement en 1966 avec sa participation au jury de la Mostra de Venise.

Effet Koulechov : comment fonctionne-t-il ?

Pour comprendre parfaitement le principe l’effet K, remontons le temps en 1921 à l’époque de cette mythique expérience cinématographique.

Au début des années 20, l’acteur Ivan Mosjoukine est une véritable vedette du cinéma russe. Lev Koulechov choisit un gros plan de cet acteur avec expression neutre pour son expérience.

Ensuite, le réalisateur russe choisit 3 autres plans complètement différents les uns des autres :

• Le premier plan montre une assiette de soupe posée sur une table,
• Le second affiche un enfant décédé dans un cercueil,
• Le troisième représente une jeune femme allongée sur un canapé.

Koulechov réalise 3 montages différents avec le même plan de l’acteur associé aux autres 3 plans.
Il propose alors à ses étudiants de visionner les 3 séquences et de les commenter. Les disciples sont alors enthousiastes sur le talent de l’acteur. Selon eux, l’acteur a parfaitement exprimé successivement la faim, la tristesse et le désir ! Il en est rien puisqu’il s’agit bien du même plan de Mosjoukine…

Koulechov vient alors tout juste de démontrer que le montage d’un film influe directement sur le sens et la signification des séquences. En effet, le cerveau cherche un sens et une signification logique à une juxtaposition d’images sans lien direct.
Ainsi, la puissance du montage est démontrée. Le réalisateur peut manipuler les images pour influer sur les impressions et les émotions des spectateurs.
Cependant, cette expérience relève de la légende. Aucun élément crédible atteste le fait que Koulechov a bien mené lui-même cette expérimentation. La légende urbaine irait même jusqu’à dire que le terme “effet” viendrait tout simplement du prénom “Lev” prononcé très rapidement. Lev Koulechov devenant avec un petit rhume “L’effet Koulechov”.

3 raisons d’utiliser l’effet Koulechov

Le cinéma raconte des histoires et provoque des émotions fortes. Pour parvenir à ce résultat, le jeu des acteurs et la prise de vue sont évidemment des éléments importants. Le montage permet de rythmer la narration et de mettre en relief certains passages du film. L’histoire alors prend vie.
L’utilisation de l’effet K lors du montage présente plusieurs intérêts pour un personnage en question :

1. Renforcer ses émotions.

L’effet K est au service de l’histoire et du film. Les cinéastes l’utilisent pour préciser ce que ressent un personnage à un moment précis. En effet, le jeu de l’acteur peut être insuffisant pour la compréhension du spectateur. L’utilisation de cet effet de montage permet de clarifier et amplifier l’état émotionnel du personnage.

2. Souligner sa réaction.

Pendant un moment clé d’une action, le réalisateur peut filmer un personnage en gros plan afin de se concentrer sur sa réaction émotionnelle. Ainsi, l’effet K permet d’accentuer la réaction émotionnelle du personnage dans le contexte d’une scène.

3. Préciser sa pensée

Plusieurs grands cinéastes utilise l’effet k pour entrer dans le cerveau d’un personnage afin de préciser sa pensée dans l’instant. Pour obtenir ce résultat, les réalisateurs utilisent au moins 3 plans successifs différents.

Hitchcock et l’effet Koulechov

Le maître s’est intéressé de près aux techniques de montage. C’est bien connu. Évidemment, il s’est approprié le légendaire effet Koulechov. Il en parle dans plusieurs interviews de référence dont celle pour l’émission Telescope en 1964.
Hitchcock a ainsi adapté l’effet K en utilisant 3 plans successifs :

1. gros plan du personnage.
2. plan d’une scène différente.
3. gros plan de réaction du personnage.

Prenons un exemple concret. Hitchcock va réaliser d’abord un gros plan d’un vieil homme en train de plisser les yeux. À ce moment, la pensée du personnage n’est pas tout à fait clair pour le spectateur. Que regarde-t-il ? Que pense-t-il ? Qu’est ce qui se passe vraiment ?
Du coup, le réalisateur montre un deuxième plan où une mère s’occupe de son bébé. À ce stade, on sait ce que fixe le personnage. Néanmoins, on en sait pas vraiment plus sur ses pensées et ses émotions.
À ce stade, Hitchcock montre un troisième plan. Dans celui-ci, le réalisateur montre cette fois-ci en gros plan l’homme en train de sourire. Le spectateur conclut alors que le personnage est bienveillant avec cette jeune femme et son enfant.

Maintenant imaginez un second plan complètement différent dans cette séquence. Cette fois-ci, une jeune fille en bikini remplace alors la mère et son bébé. Comment le spectateur interprète alors cette séquence modifiée ? Le vieil homme est perçu comme un pervers dans ce nouveau montage.

De Steven Spielberg à Christopher Nolan, les meilleurs réalisateurs de cinéma utilisent encore aujourd’hui les principes de l’effet K en l’utilisant à leur manière.

J’espère avoir pu vous aider.

Je vous dis à très vite.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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Attendez un peu, On y vient.

En effet, c’est le lieu d’une scène mythique d’un film qui a marqué l’histoire du cinéma : Rocky. Est que ça vous parle davantage maintenant ? Effectivement, c’est la séquence cultissime où Stallone grimpe ces marches à la fin de sa période d’entraînement. Cette scène est encore une source d’inspiration pour des millions de personnes de nos jours. Ainsi, les touristes souhaitent gravir eux-mêmes ces célèbres marches pour le symbole.

Seul le 7ᵉ art est capable de créer des images aussi puissantes et universelles.

Pourtant, cette scène n’aurait jamais pu être tourné quelques années plus tôt sans une innovation majeure du cinéma : le steadycam.

Qu’est-ce que le steadicam ?

Connaissez-vous le travelling ? Eh bien, le steadicam a tout simplement révolutionné ce mode de prise de vue.

Steadicam : l’invention géniale de Garret Brown

On doit le premier travelling à un Alexandre Promio en 1896 un opérateur des frères Lumière. Il eut l’idée de filmer Venise avec une caméra en mouvement embarquée sur une gondole.

Très vite, ce mode de prise de vue devient incontournable pour filmer les courses-poursuites au début des années 1900. Le cinéaste Apfel fait ensuite évoluer la technique en 1912 avec l’utilisation d’un chariot pour filmer un personnage en mouvement.

Jusque dans les années 70, les techniques pour filmer un travelling évoluent très peu.
Garret Brown, un ancien chanteur de folk, fonde sa maison de production en 1970. Également ancien technicien publicitaire, il trouve ses premiers clients pour réaliser des spots de réclame.
En 1972, il reçoit une demande particulière pour un film publicitaire. La réalisation nécessite un travelling sur 2 étages. Brown accepte ce défi ! Il conçoit alors le tout premier steadicam (caméra stable en anglais).
Cette invention gagne ensuite ses premiers galons dans le cinéma en 1976. Coup sur coup, Brown intervient sur les films Rocky, Marathon Man et Bound for Glory.

Mais c’est le maître Stanley Kubrick en personne qui s’empare de cette fabuleuse invention en 1980. Dans son film Shining, le réalisateur utilise le steadicam à de nombreuses reprises pour filmer ses personnages en mouvement comme la fameuse scène de l’enfant sur son tricycle parcourant de longs couloirs dans un hôtel.

Brown a reçu 1 oscar pour son innovation en 1977. Il a participé directement à plus de 70 films avec son steadicam. Cette invention a changé le cinéma avec des prises de vue dynamique au centre de l’action et au plus près des personnages en mouvement. Il est encore largement utilisé encore de nos jours.

Steadicam : le stabilisateur tout terrain

Vous êtes embarrassé aujourd’hui ! Pour les besoins d’un court métrage, vous avez besoin de suivre un personnage en pleine course dans la forêt. En plus, le terrain est accidenté. Réaliser un travelling dans ces conditions paraît délicat. Effectivement, l’image risque de manquer de fluidité avec toutes ces secousses. Pour un résultat parfait, cela nécessite l’utilisation d’un steadicam. Seulement, vous n’êtes pas encore équipé…

Le steadicam est tout simplement un système de stabilisateur de prise de vue embarqué par le cameraman.
Ainsi, l’opérateur est totalement libre. Il peut alors filmer des travellings :

• en marche avant et en arrière,
• horizontaux et verticaux,
• panoramique.

Il est également possible de réaliser en toute liberté des mouvements à hauteur d’épaule ou au ras du sol comme la scène du tricycle dans le cultissime Shining.

Le steadicam est un support de caméra embarqué utilisant 2 systèmes :

• un dispositif d’équilibrage pour maintenir la caméra dans son angle de vue,
• un mécanisme d’absorption des chocs.

Fini les tremblements et les secousses avec cet équipement. Vous obtenez des plans parfaitement fluides et naturels. De plus, c’est bien plus économique que l’utilisation d’un chariot sur rail ou d’une Dolly.

Steadicam : comment ça fonctionne ?

Ce dispositif permet de dissocier les mouvements de l’opérateur et de la caméra.

Ainsi, cet équipement est composé de 3 éléments principaux :

• le gilet : ce harnais permet de porter le matériel en soulageant ses efforts. Ainsi le poids est réparti sur le corps de l’opérateur. Le gilet est indispensable pour supporter le poids de l’équipement pendant plusieurs heures.
• le bras articulé : Il fait le lien avec le sled et d’isoler les mouvements verticaux et latéraux de l’opérateur. Ainsi, le bras permet de fluidifier l’image quand l’opérateur marche. Pour la conception, Brown s’est directement inspiré des lampes d’architectes avec un système de parallélogrammes et de ressorts.
• le sled : c’est le cœur du steadycam. Il s’agit en fait d’un support où est fixé la caméra et d’autres éléments comme une batterie ou encore un moniteur de contrôle. Le sled est muni d’un gimbal. C’est un système de cardan à 3 axes. C’est pièce mécanique est l’articulation qui autorise la liberté de mouvement de l’opérateur et la stabilité de la caméra.

3 raisons d’utiliser un steadicam

Cet appareil représente un budget d’investissement non négligeable. Vous hésitez encore ? Vous allez changer d’avis avec les arguments suivants.

1. Le coût d’utilisation

Un matériel de qualité est cher. Mais attention, il reste très économique au regard des alternatives existantes.
Une dolly est bien plus cher. En plus, il faut prévoir le transport de cet appareil encombrant.

Avec l’explosion de la vidéo sur internet, des offres de stabilisateurs à prix plancher sont apparues pour équiper les amateurs. Pour quelques dizaines d’euros, vous pouvez obtenir de bons résultats pour débuter sans obtenir la perfection d’un matériel professionnel bien plus onéreux.

2. La polyvalence

Un chariot sur rail permet de créer de magnifiques travellings. Seulement, ce dispositif nécessite une grosse logistique et un sol régulier, plat et stable. Malheureusement, ce n’est pas toujours le cas…

Avec un steadycam, l’opérateur est complètement libre de ses mouvements. Il peut marcher, courir, sauter, grimper des escaliers… Cela ouvre donc un champ des possibles extraordinaire pour réaliser des travellings.

3. Des prises de vue professionnelles

Les caméras modernes sont de vraies pépites technologiques. Elles sont désormais équipées de stabilisateurs optiques. Cette fonctionnalité aide à fluidifier les vibrations. Mais ça ne fait pas tout. Cela n’empêchera pas les secousses d’une prise de vue en courant sur un terrain accidenté. Les logiciels de montage permettent également de corriger certains défauts des plans. Mais une fois de plus, c’est un artifice pour corriger des petites imperfections.
Vous souhaitez un rendu professionnel ? Le steadicam reste incontournable. Cet équipement garantit une image et fluide dans les conditions les plus extrêmes. Du coup, il est toujours largement utilisé dans le cinéma. Ce n’est évidemment pas un hasard. La qualité est incomparable. Allez-y, faites le test !

Vous en savez maintenant davantage sur le steadicam.

J’espère avoir pu vous aider.

Je vous souhaite le meilleur.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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Je suis Swann et, une fois encore, je prends les manettes d’apprendre le scénario le temps d’un article.

Aujourd’hui, j’ai décidé de vous parler un peu technique. Rien de très compliqué, rassurez-vous, il s’agira surtout de se familiariser avec les principaux termes techniques employés sur un plateau de tournage, à commencer par le travelling.

Et puis, il peut être intéressant d’avoir ces quelques notions de mise en scène lors de l’écriture de votre scénario !

Petite histoire du travelling

Lorsque j’étais étudiante, je retenais mes leçons principalement à travers les anecdotes qu’on me racontait; et celle-ci en fait partie:

Il semblerait que le travelling ait été inventé en 1896 (soit un an seulement après l’invention du cinématographe) par l’un des opérateurs des frères Lumière. Celui-ci se trouvait à Venise et filmait la ville depuis sa gondole, créant ainsi un mouvement de caméra qui est … le travelling ! Au départ, le travelling s’appelait alors “vue panoramique Lumière”, re-baptisé travelling dans les années 1920 par un critique de cinéma.

Si en ce jeudi matin, la fainéantise me prenait, je vous dirais que pour comprendre le principe du travelling, il vous suffit simplement de visionner le générique d’ouverture du Mépris de Jean-Luc Godard. 

Dans cette célèbre séquence, on découvre l’envers du décor et notamment le principe du travelling ! Ici, Raoul Coutard, le chef opérateur (qui joue son propre rôle) est perché sur sa dolly ( la caméra montée sur les rails) et suit le personnage féminin à l’aide d’un travelling.

Mais, étant pleine de bonne volonté, je vais quand même vous détailler un peu plus le principe du travelling (même si cela ne vous empêche pas de visionner ce chef d’oeuvre !)

Alors, le travelling, c’est quoi ?

Le travelling, c’est un mouvement de caméra (l’un des plus communs au cinéma) le plus souvent effectué à l’aide d’une caméra glissée sur des rails et créant ainsi un effet de fluidité. Il existe plusieurs types de travelling:

• le travelling latéral ou horizontal: la caméra est placée perpendiculairement aux rails (voir la photo ci-dessus, tirée du Mépris). Il s’agit alors de créer un balayage du décor ou bien de suivre le déplacement d’un personnage.
• le travelling vertical: la caméra monte ou descend. Ce travelling sert notamment à mettre l’accent sur un détail ou bien, utilisé en début de séquence, il peut introduire progressivement le lieu de l’action.
• le travelling avant/arrière: la caméra est parallèle aux rails, elle peut avancer ou reculer. Il s’agit ici de changer d’échelle de plans, de se rapprocher de l’objet filmé ou bien de s’en éloigner.
• le travelling circulaire: les rails sont placés en cercle ou arc de cercle, la caméra effectue alors une rotation autour de l’objet/personnage filmé.
• Le travelling compensé: Un peu moins répandu, il consiste à faire un zoom avant tout en reculant sa caméra et vice-versa afin de créer un effet de compensation (d’où son nom). Au-delà du mouvement recherché, il s’agit surtout d’un moyen d’illustrer le trouble, le vertige chez le personnage.

Autre petite anecdote afin de bien mémoriser le principe de travelling compensé:

Le travelling compensé a été inventé par Alfred Hitchcock dans son film Vertigo, afin de traduire visuellement le vertige de son personnage. D’ailleurs, le travelling compensé est aussi appelé effet Vertigo ! Voici la séquence:

On a donc vu que le travelling pouvait se faire: en gondole et sur des rails, mais il peut aussi se faire: en voiture (par exemple, la séquence finale d’À bout de souffle de Jean-Luc Godard), en fauteuil roulant (eh si ! Ça aussi Godard l’a fait, toujours dans À bout de souffle), la preuve en photo:

Mais le travelling peut aussi se faire à pied, avec la caméra portée et la fameuse steadicam !

La caméra portée

Comme son nom l’indique, le travelling par caméra portée, c’est lorsque l’opérateur porte directement sa caméra à l’épaule, créant ainsi une immense liberté de mouvement et une sensation d’immersion pour le spectateur. Le seul hic, c’est le poids de la caméra qui fatigue très vite le technicien, d’où l’invention de la steadicam !

La steadicam

La steadicam est un système de stabilisation de caméra. Celle-ci est reliée à l’opérateur via un bras mécanique et un harnais; et permet alors la même liberté de mouvement de la caméra portée MAIS sans la même contrainte physique, puisqu’elle ne repose pas entièrement sur les pauvres épaules du technicien !

La steadicam est crée en 1972 par Garrett Brown pour une utilisation dans le milieu publicitaire. Mais ça, c’était avant Stanley Kubrick et Shining ! La steadicam connaît une envolée commerciale et une utilisation massive dans le cinéma suite à la démonstration qu’en fait Kubrick dans son film !

Maintenant que vous en connaissez davantage sur le travelling, n’hésitez pas à rivaliser face à ce cher Monsieur Godard, et inventez vos propres travellings à vélo, à skate ou à overboard (quoi que l’idée me paraisse quelque peu bancale…)

Je vous abandonne sur cette séquence (à ne surtout pas visionner avant d’aller dormir !) et vous dis à très bientôt sur apprendre le scénario !

Timothée MEYRIEUX

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Dans cet article, je vous propose un petit récapitulatif sur les différents mouvements de caméra utilisés au cinéma et son vocaabulaire.

Le panoramique :

Un panoramique est un mouvement de rotation de la caméra.

Le panoramique horizontal :

Lors d’un panoramique horizontal, la caméra pivote de droite à gauche ou de gauche à droite sur elle-même.

Le panoramique vertical :

Lors d’un panoramique vertical, la caméra pivote de bas en haut ou de haut en bas.

Le zoom :

Le zoom est un mouvement d’avancée dans l’image, il peut se faire de manière optique ou numérique.

Le zoom optique :

Le zoom optique se fait grâce aux lentilles de l’objectif de la caméra. En déplaçant cette lentille par rapport au capteur, la caméra avance ou recule dans l’image.

En procédant ainsi, le zoom permet de s’approcher du sujet sans bouger la caméra de place.

Attention, faire un zoom optique induit un changement de la perception de la perspective.

Le zoom numérique :

Le zoom numérique se fait directement sur l’image. Vous allez simplement zoomer numériquement sur l’image capturée comme vous le feriez en approchant votre loupe sur une photo.

En procédant ainsi, vous ne changerez pas la perception de la perspective. Cependant, la qualité de l’image devrait baisser, faisant apparaître de plus en plus en plus gros pixels, à mesure que vous zoomez.

Le travelling :

Le travelling est un mouvement de translation de la caméra. La caméra se déplace par rapport au sujet.

Le travelling :

Montée sur des rails appelés travelling et sur roulettes, la caméra, poussée par un assistant opérateur, peut avancer et reculer, s’approchant ou s’éloignant du sujet.

Le rail cependant n’est pas obligatoirement droit. Il peut être circulaire ou courbée.

De même, la caméra n’est pas forcément dans le sens des rails. Elle peut être dans l’axe, à ce moment là nous parlerons d’un mouvement de travelling avant/arrière. Mais la caméra peut aussi être axée de manière perpendiculaire aux rails. On parlera alors d’un travelling latéral.

Note : Quand j’étais au lycée, j’avais mis la main sur des plans de travelling à construire soi-même. Pour quelques euros et un skate démonté en plus, j’avais réussi à me construire un petit travelling maison.

La grue :

Vous en avez certainement entendu parler.

On parle de mouvement de grue lorsque la caméra est montée au bout d’une grue motorisée.

Elle peut alors bouger non seulement sur elle-même (grâce à la tête motorisée) mais aussi autour de la grue.

L’intérêt est de pouvoir combiner l’ensemble de ces mouvements pour des plans complexes et impressionnants.

Note : Il est aussi tout à fait possible de construire soi-même une grue si vous n’en avez pas le budget. Avec des amis nous en avions construit une en bois. 

Steadicam :

La caméra est accrochée grâce à un système de sangles stabilisées sur un opérateur. Le steadicameur peut, dans cette configuration, marcher et même courir en suivant l’action.

Ce type de plan donne une impression d’être “au plus près de l’action”.

Combiner les mouvements ?

Bien entendu, les mouvements cités ci-dessus peuvent être combinés. Un mouvement de travelling avant peut être combiné à un mouvement de zoom arrière créant ainsi ce qu’on appelle un travelling compensé.

Il existe bien d’autres mouvements de camera, cette liste ne faisant office que de recueil des principaux mouvements.

Pour t’aider voici un tableau récapitulatif des mouvements de caméra au cinéma :

Si jamais tu souhaites te renseigner sur les valeurs de plan au cinéma je t’invite à lire mon article en cliquant ici.

J’espère avoir pu t’aider.

Je te souhaite le meilleur.

Timothée

Timothée MEYRIEUX

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Un plan qu’est ce que c’est ?

Tout d’abord, il me paraît essentiel de définir ensemble ce qu’est un plan de cinéma.

Un plan est une prise de vues, comprise entre la mise en marche de la caméra et son arrêt. « Pour simplifier, le plan est le jeu de scène filmé entre les deux mots magiques du tournage, « Action ! » et « Coupez ! » 

Bon, c’est un peu la honte, cette citation provient de Wikipedia, mais c’est de loin la meilleure que j’ai pu trouver.

Mais alors l’échelle des plans au cinéma qu’est ce que c’est ?

Si un plan est une prise de vue, l’échelle est la façon dont ce plan est capturé. Etes-vous loin de votre personnage ? Tout près ? Pour décrire la façon de capturer une image, il existe un langage : l’échelle des plans. Gros plan, plan large, insert ? Je suis certain que vous en avez déjà entendu parler.

Nous allons aborder toutes les échelles les unes après les autres du plus large au plus serré.

Les échelle des plans : Le plan général :

Le plan général sert à situer l’action dans son contexte géographique et topologique.

Les échelle des plans : Le plan d’ensemble :

Le plan d’ensemble expose clairement où se passe l’action. Cela peut-être une rue, une tribune de football, un magasin. Le plan d’ensemble resserre quelque peu l’action par rapport au plan général.

Les échelle des plans : Le plan moyen ou le plan pied :

Le ou les personnages sont cadrés en entier. On ancre le personnage dans ce lieu.

Les échelle des plans : Le plan américain :

Le plan américain se rapproche encore quelques peu des personnages. Ils sont maintenant filmés mi-cuisses. Il peut y avoir plusieurs personnages sur ce plan. C’est le plan de la confrontation dans un même cadre.

Les échelle des plans : Le plan rapproché :

Le plan rapproché permet de se concentrer sur ce qui est dit ou ressenti par le personnage. La gestuelle du corps, les mouvements des bras et du visage sont de mises !

Les échelle des plans : Le gros plan :

C’est le plan par excellence pour lire le visage, comprendre les émotions. C’est le plan qui voit à travers l’âme.

Les échelle des plans : Le très gros plan :

Le très gros plan cible un détail d’un visage : yeux, nez, bouche. Il permet de montrer un élément de détail narratif important.

Les échelle des plans : L’insert :

Nous arrivons à l’échelle la plus rapprochée : l’insert. Cette fois-ci un insert met en avant un objet important.

Mais alors comment insérer ces éléments dans un scénario ?

Si la valeur des plans n’est que très peu présente dans un scénario, il arrive que les scénaristes la mentionne. Seulement, cette indication doit être savamment justifiée. Inutile de faire le découpage complet de votre scénario, ce n’est pas votre but. En revanche, si c’est un élément essentiel vous pouvez le faire.

Si tu souhaites aller plus loin je t’invite à lire ces articles :

• L’ÉCHELLE DES PLANS AU CINÉMA, L’ESSENTIEL À SAVOIR !
• Échelle des plans

J’espère t’avoir aidé avec cet article sur les échelles de plans au cinéma. Je te dis à bientôt sur apprendre le scénario !

Timothée MEYRIEUX

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