1. Qu’est-ce qu’un traitement détaillé ?

Le traitement détaillé est un document qui raconte toute l’histoire du film, scène par scène, dans l’ordre narratif.
Contrairement au synopsis, il ne se limite pas à un résumé global, et contrairement au scénario, il n’entre pas dans la mise en page technique avec dialogues et indications précises.

Il sert à :

• Poser les bases de toutes les scènes avant le scénario dialogué
• Tester la structure, le rythme et la progression dramatique
• Partager une vision claire avec un producteur, un réalisateur ou un co-auteur

Longueur moyenne : 10 à 15 pages pour un long métrage, 3 à 5 pages pour un court.

2. Pourquoi écrire un traitement détaillé ?

1. Clarifier ton histoire avant de dialoguer
   Tu peux voir si tout s’enchaîne logiquement sans être distrait par l’écriture des dialogues.
2. Gagner du temps à l’étape scénario
   Avec toutes les scènes déjà posées, la rédaction devient plus fluide.
3. Convaincre des partenaires
   Certains producteurs ou commissions préfèrent lire un traitement détaillé avant de s’engager.
4. Tester ton rythme
   Tu peux vérifier si le point médian est bien placé, si l’acte 2 ne s’essouffle pas, et si le climax arrive avec assez d’impact.

3. Ce que doit contenir un traitement détaillé

Un bon traitement détaillé ne se contente pas d’aligner des résumés de scènes. Il doit donner au lecteur la sensation de vivre le film.

Éléments essentiels :

• Indication des actes pour repérer la structure (acte 1, acte 2, acte 3)
• Résumé de chaque scène : lieu, action principale, émotion dominante
• Évolution du héros : montrer comment chaque scène le transforme ou le rapproche de son objectif
• Tension dramatique : garder un fil de suspense, même sans dialogues
• Transitions : indiquer comment une scène mène naturellement à la suivante

Exemple de présentation :
Scène 1 : Appartement de Paul – Matin. Paul se prépare pour un entretien important, mais découvre que sa voiture a été volée.
Scène 2 : Commissariat. Paul signale le vol, mais l’officier minimise l’incident. Paul ressort frustré, en retard.

4. La différence entre synopsis, traitement et scénario

Le traitement est donc une étape intermédiaire qui permet d’éviter les réécritures lourdes une fois le scénario lancé.

5. Conseils pour rédiger un traitement efficace

• Écris au présent pour donner un effet d’immédiateté
• Reste visuel : montre les actions et les réactions plutôt que d’expliquer
• Soigne le rythme : alterne scènes calmes et scènes intenses
• Conserve l’émotion : même sans dialogues, la tension et les enjeux doivent transparaître
• Relis avec un œil externe : est-ce que le lecteur comprend et visualise ton film ?

6. Quand présenter un traitement détaillé ?

• Aux producteurs : pour valider la direction avant d’écrire le scénario complet
• Aux commissions : certains appels à projets demandent un traitement plutôt qu’un scénario
• En co-écriture : pour que tous les auteurs soient sur la même longueur d’onde
• En réécriture : pour restructurer un scénario qui ne fonctionne pas

Conclusion

Le traitement détaillé est une étape stratégique dans la vie d’un projet.
Il te permet de passer de l’idée au scénario en toute sécurité, en réduisant les risques de blocages ou de réécritures massives.
C’est aussi un excellent outil de communication : clair, complet, mais rapide à lire, il donne à tes partenaires une vision précise de ton film.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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David Chase – Les Soprano : l’architecte du drame moderne

David Chase est souvent considéré comme l’un des pionniers du “Nouvel Âge d’Or” de la télévision avec sa série culte Les Soprano (1999-2007). Cette série a transformé le paysage télévisuel en mélangeant des éléments de drame psychologique, de comédie noire et de tragédie, tout en plongeant dans les complexités morales de la vie moderne.

• Séries majeures : Les Soprano.
• Impact : Chase a redéfini la télévision en proposant des anti-héros plus complexes, offrant ainsi une alternative aux personnages plus conventionnels des séries télévisées précédentes. Les Soprano a influencé de nombreux showrunners, contribuant à élever la télévision au rang de medium artistique.

Shonda Rhimes – La reine du prime-time

Shonda Rhimes est une showrunner emblématique, à la tête de plusieurs séries à succès, notamment Grey’s Anatomy (2005-) et Scandal (2012-2018). Elle est reconnue pour son style narratif dynamique, ses dialogues percutants, et son engagement en faveur de la diversité à l’écran.

• Séries majeures : Grey’s Anatomy, Scandal, How to Get Away with Murder.
• Impact : Rhimes a non seulement conquis le prime-time avec des séries dramatiques addictives, mais elle a également ouvert la voie à une plus grande inclusion dans l’industrie télévisuelle. Son influence est telle qu’elle a signé un contrat historique avec Netflix pour développer de nouveaux projets.

Vince Gilligan – Le maître de l’évolution du personnage

Vince Gilligan s’est fait connaître en tant que créateur de l’une des séries les plus acclamées de tous les temps : Breaking Bad (2008-2013). Avant cela, il avait travaillé en tant que scénariste sur The X-Files. Breaking Bad a laissé une marque indélébile grâce à son exploration minutieuse de la transformation morale de ses personnages.

• Séries majeures : Breaking Bad, Better Call Saul.
• Impact : Gilligan a redéfini le récit télévisuel en suivant l’évolution d’un personnage sur plusieurs saisons, transformant un professeur de chimie en criminel impitoyable. Son écriture soignée et son attention aux détails ont influencé des générations de scénaristes.

4. David Benioff et D.B. Weiss – L’ascension et la chute de Game of Thrones

David Benioff et D.B. Weiss ont adapté la saga littéraire de George R. R. Martin, A Song of Ice and Fire, en une série télévisée mondialement connue : Game of Thrones (2011-2019). Leur travail sur les premières saisons a été salué pour sa fidélité aux livres et la richesse de la construction du monde de Westeros.

• Séries majeures : Game of Thrones.
• Impact : Le duo a révolutionné la télévision en apportant une échelle de production digne du cinéma au petit écran. Cependant, ils ont également suscité des critiques pour les dernières saisons de la série, jugées précipitées par les fans. Quoi qu’il en soit, ils ont marqué un tournant dans l’histoire de la télévision épique.

Aaron Sorkin – Le maître du dialogue rapide

Aaron Sorkin est célèbre pour ses dialogues ciselés et son approche intelligente des drames politiques et sociaux. Il est l’esprit derrière plusieurs séries iconiques, notamment The West Wing (1999-2006), qui a redéfini le genre du drame politique à la télévision.

• Séries majeures : The West Wing, The Newsroom.
• Impact : Sorkin a établi de nouveaux standards pour les dialogues et le rythme des séries dramatiques. Sa capacité à traiter des questions complexes tout en restant captivant a influencé de nombreux créateurs et continue de définir la télévision de qualité.

Matthew Weiner – La nostalgie raffinée de Mad Men

Matthew Weiner, créateur de Mad Men (2007-2015), a donné vie à une représentation viscérale de l’Amérique des années 1960, tout en explorant des thèmes comme l’identité, le consumérisme et la masculinité. Avant Mad Men, il avait déjà fait ses armes en tant que scénariste sur Les Soprano.

• Séries majeures : Mad Men, The Romanoffs.
• Impact : Weiner a prouvé que la télévision pouvait être aussi sophistiquée que le cinéma, avec une attention méticuleuse aux détails historiques et des personnages psychologiquement complexes.

J.J. Abrams – L’art du mystère

J.J. Abrams est un showrunner polyvalent, connu pour avoir créé et produit certaines des séries télévisées les plus influentes des dernières décennies. Il est notamment à l’origine de Lost (2004-2010), une série qui a captivé le public avec ses mystères complexes et son approche innovante de la narration non linéaire.

• Séries majeures : Lost, Alias, Fringe.
• Impact : Abrams a redéfini la manière dont les séries peuvent jouer avec la structure narrative, introduisant des récits multi-couches et des mystères qui maintiennent le public en haleine pendant plusieurs saisons.

Ryan Murphy – L’homme aux multiples genres

Ryan Murphy est un showrunner prolifique, connu pour sa capacité à jongler entre différents genres, de la comédie musicale avec Glee (2009-2015) au drame d’horreur avec American Horror Story (2011-). Il a également brisé des barrières en abordant des sujets LGBTQ+ et en promouvant la diversité dans ses castings.

• Séries majeures : Glee, American Horror Story, Pose.
• Impact : Murphy a façonné l’univers télévisuel avec des séries aux styles variés et audacieux, contribuant à rendre la télévision plus inclusive et diversifiée. Ses séries sont souvent aussi provocatrices qu’esthétiquement uniques.

Conclusion

Ces showrunners ont façonné le paysage télévisuel moderne, chacun à leur manière. En combinant créativité, innovation et une maîtrise de la narration, ils ont réussi à capturer l’attention du public et à redéfinir les normes de la télévision. Leurs séries sont devenues des références incontournables, prouvant que la télévision peut être un art aussi puissant et influent que le cinéma.

Quels showrunners ont eu le plus grand impact selon vous ? Des talents émergents à suivre ? Partagez vos suggestions !

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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Agnès Varda – La pionnière de la Nouvelle Vague française

Agnès Varda, réalisatrice franco-belge, est souvent surnommée la “grand-mère” de la Nouvelle Vague. Sa carrière s’est étendue sur plus de 60 ans, avec des films qui explorent des thèmes sociaux, féministes, et humains avec une perspective unique.

• Œuvres majeures : Cléo de 5 à 7 (1962), Sans toit ni loi (1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (2000).
• Impact : Varda a su déconstruire les conventions narratives du cinéma en mêlant documentaire et fiction. Elle a donné une voix aux marginalisés et a ouvert la voie pour de nombreuses réalisatrices à venir.

Kathryn Bigelow – Première femme oscarisée pour la réalisation

Kathryn Bigelow est une figure incontournable dans le cinéma d’action et de thriller. Elle est surtout connue pour être la première femme à remporter l’Oscar de la meilleure réalisation avec The Hurt Locker en 2010.

• Œuvres majeures : The Hurt Locker (2008), Zero Dark Thirty (2012), Strange Days (1995).
• Impact : Bigelow a su redéfinir les genres habituellement dominés par les hommes, tels que le film de guerre et le thriller psychologique. Son style réaliste et tendu, combiné à une attention au détail, lui a valu une reconnaissance internationale.

Jane Campion – Le génie néo-zélandais

Jane Campion est une autre réalisatrice récompensée aux Oscars et célèbre pour ses explorations profondes des émotions humaines, de la sexualité, et de la nature complexe des relations. Elle est la première femme à remporter la Palme d’or à Cannes pour La Leçon de piano.

• Œuvres majeures : La Leçon de piano (1993), The Power of the Dog (2021), Portrait of a Lady (1996).
• Impact : Campion est reconnue pour sa capacité à explorer les dynamiques de pouvoir entre les sexes avec une sensibilité et une intensité émotionnelle hors du commun. Elle allie des récits personnels intenses avec des paysages visuels sublimes.

Chantal Akerman – Maître de la lenteur

Réalisatrice belge, Chantal Akerman est connue pour son style unique, souvent qualifié de cinéma contemplatif. Son chef-d’œuvre Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles est considéré comme un jalon du cinéma féministe et une des œuvres les plus radicales du cinéma moderne.

• Œuvres majeures : Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), News from Home (1977), La Captive (2000).
• Impact : Avec ses longs plans fixes et son exploration minutieuse des détails de la vie quotidienne, Akerman a offert une réflexion sur la condition féminine, la solitude et l’aliénation.

Sofia Coppola – Portraits d’introspection

Fille du célèbre réalisateur Francis Ford Coppola, Sofia Coppola a su se forger une identité propre avec un style marqué par une esthétique épurée et une exploration des thèmes de la solitude et du passage à l’âge adulte.

• Œuvres majeures : Lost in Translation (2003), The Virgin Suicides (1999), Marie Antoinette (2006).
• Impact : Coppola se distingue par sa capacité à capturer la mélancolie et l’introspection de ses personnages, tout en jonglant avec des atmosphères subtiles et des bandes-son qui enrichissent ses récits.

Mira Nair – La voix de l’Inde mondiale

Née en Inde, Mira Nair s’est fait connaître avec des films qui mettent en lumière les complexités culturelles, les tensions sociales et les dynamiques familiales. Son cinéma est ancré dans des histoires qui transcendent les frontières, tout en reflétant la richesse et les contradictions de la société indienne.

• Œuvres majeures : Salaam Bombay! (1988), Monsoon Wedding (2001), The Namesake (2006).
• Impact : Nair a su faire des films profondément enracinés dans le contexte indien tout en leur donnant une portée internationale. Son style est à la fois personnel et universel, mêlant le social et l’intime.

Greta Gerwig – L’étoile montante du cinéma américain

Greta Gerwig est l’une des figures émergentes du cinéma américain contemporain. Réalisatrice, scénariste et actrice, elle est surtout connue pour ses récits intimistes, souvent centrés sur des personnages féminins complexes en quête de sens.

• Œuvres majeures : Lady Bird (2017), Little Women (2019), Barbie (2023).
• Impact : Gerwig, avec son approche sensible et moderne du drame, a capté l’attention du public avec des récits profondément personnels et universels. Elle parvient à aborder des thèmes comme la famille, l’émancipation et l’identité avec une douceur et une acuité rares.

Conclusion

Ces cinéastes ont non seulement enrichi le monde du cinéma, mais ont aussi repoussé les frontières de ce que peut représenter le cinéma féminin. Leurs œuvres continuent d’inspirer et de défier les conventions, tout en ouvrant la voie pour les futures générations de réalisatrices. Leurs films nous rappellent que la diversité des voix dans le cinéma est essentielle pour une meilleure compréhension de l’humanité et de ses histoires.

Sources d’inspiration et références :

• Livres, interviews et documentaires sur ces cinéastes
• Archives du Festival de Cannes et des Oscars
• Analyses critiques des œuvres majeures

Cet article vous a-t-il inspiré ? Des suggestions d’autres cinéastes à découvrir ? N’hésitez pas à me les faire savoir !

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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J’espère que vous allez bien. 

En tant qu’auteur de bande dessinée débutant au Japon, je suis passé par une montagne d’expériences au cours des quatre derniers mois. 

Chaque journée de création a été une aventure, et à travers ces péripéties, j’ai appris des leçons précieuses qui ont façonné ma perspective sur cet art captivant. 

Voici quelques-unes des leçons les plus marquantes que j’ai tirées de cette aventure créative.

Avoir Peur du Regard des Autres : Un Obstacle à Surmonter

L’une des premières barrières que j’ai dû franchir était la peur du regard des autres. Il est naturel de craindre le jugement, mais cette peur peut devenir un frein créatif. 

On a tendance à se censurer, à limiter notre expression artistique par crainte de ne pas être compris ou accepté. 

Je me demande souvent : que va dire ma famille sur ce chapitre ?

Cependant, j’ai appris que cette peur est inévitable, mais c’est aussi ce qui confère une valeur unique à chaque histoire. 

C’est en embrassant cette vulnérabilité que l’authenticité émerge. 

Du coup, je fais l’inverse: si je sens que mon chapitre me met mal à l’aise c’est que je suis sur la bonne voie.

N’aie Pas Peur d’Utiliser des Références

Les références sont des outils puissants. Ce n’est pas tricher.

J’utilise soit des références 3D, des photos, des selfies.

Mon dessin est bien meilleur.

Toujours Se Laisser une Marge de Liberté

Laisser de la place à l’improvisation et à la créativité spontanée est tout aussi crucial. 

La magie peut surgir de l’inattendu, et parfois, les meilleures idées naissent au fil de la création. 

Garder une marge de liberté permet à l’histoire de respirer et d’évoluer organiquement.

Le Format : Toujours un Climax à la Fin, Donc Structures Différentes

La structure narrative est une clé importante dans la bande dessinée. 

J’ai découvert qu’incorporer un climax à la fin de chaque histoire maintient l’intérêt du lecteur. 

Expérimenter avec des structures différentes ajoute de la variété et rend chaque projet unique. 

C’est comme composer une symphonie, où chaque note contribue à l’ensemble harmonieux.

Faire Attention à Alterner Moments Drôles et Durs

La vie est un mélange d’émotions, et une bande dessinée réussie reflète cette dualité. 

Alterner entre des moments drôles et poignants crée un équilibre narratif, permettant aux lecteurs de s’immerger pleinement dans l’histoire.

Travailler son Storyboard à Fond

Le storyboard est l’ossature de la bande dessinée. 

Investir du temps dans la planification du découpage, des angles de vue et de la séquence narrative garantit une fluidité visuelle. 

Un storyboard solide devient le guide visuel pour le processus de dessin, facilitant la cohérence et la compréhension de l’histoire.

Les Dialogues Doivent Être Très Courts par Rapport au Cinéma

Dans la bande dessinée, chaque mot compte. Les dialogues doivent être concis et percutants, évitant le superflu. Après tout les bulles sont petites. 

Comparé au cinéma, la bande dessinée laisse moins de place pour les paroles inutiles. 

Chaque bulle de dialogue doit contribuer à l’avancement de l’intrigue ou au développement des personnages.

EFFICACITÉ !

Dessiner Tous les Jours et Tu Verras les Progrès

La pratique quotidienne est la clé de l’amélioration constante. 

Dessiner tous les jours, même si ce n’est que pour quelques minutes, accumule des heures de pratique au fil du temps. 

C’est ainsi que j’ai constaté des progrès significatifs dans mon style, ma technique et ma confiance artistique.

En conclusion, ces quatre mois en tant qu’auteur de bande dessinée débutant ont été une aventure d’apprentissage intense. 

J’ai encore tellement à apprendre !

Chaque défi surmonté a été une leçon gravée dans le processus créatif. 

La bande dessinée est un art qui demande courage, créativité et persévérance, mais c’est précisément cette combinaison qui donne vie à des histoires uniques et inoubliables.

Alors je m’accroche !

A très vite !

Timothée MEYRIEUX

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j’espère que vous allez bien.

✏️Mettre en page votre scénario

Je reçois souvent des scénarios non conformes à la mise en page standard.

Pour le coup, je ne tiens qu’un blog, je ne suis pas producteur.

Mais, certains d’entre vous envoient ces mêmes scénarios à des productions.

Même si votre scénario est génial, vous ne serez pas lu sans respecter les règles de présentation.

En un coup d’oeil vous serez catégorisé comme amateur. C’est arbitraire, je sais.

Au minimum respectez ces codes :

• Police : Arial, Times New Roman ou le Courrier
• Taille : 12.
• Interligne : standard soit 1 à 1,5.
• 1 page = 1 minute

Si vous souhaitez avoir un modèle, je vous en ai préparé un gratuit à télécharger gratuitement.

💻Quel logiciel d’écriture choisir ?

Je ne suis pas fan des logiciels d’écriture.

Pour moi, rien de mieux que Word, Office ou Pages.

Toutefois voici une liste des logiciels connus que je vous invite à tester :

• Celtx
• FinalDraft
• oStorybook

😬Le vol d’idée

Autre question des jeunes auteurs : le vol d’idée.

C’est assez rare mais cela peut arriver.
Le risque zéro n’existe pas.

Vous pouvez protéger votre scénario pour quelques euros avec la SACD grâce au service e-depot.

Je vous recommande de le faire.

📖Les meilleurs livres pour apprendre à écrire des films

Si vous débutez, voici de grands classiques reconnus que je ne peux que vous conseiller :

• La Dramaturgie de Yves Lavandier
• L’Anatomie du Scénario de John Truby  
• Save The Cat de Blake Snyder
• Story de Robert McKee

Je vous conseille de tous les lire (idéalement).

Vous pouvez aussi vous procurer mon livre disponible sur amazon : Écris (enfin) ton film.

Le mieux serait de tous les lire histoire de pouvoir déconstruire la théorie et vous l’approprier à votre façon.

✏️Citation de la semaine

Toute bonne idée commence par de mauvaises idées. C’est pour cela prend autant de temps.

Steven Spielberg

A+

Timothée

Timothée MEYRIEUX

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Lire Scénario est la plateforme gratuite que j’ai mise en place pour vous pour que vous puissiez avoir des retours sur vos projets de film.

• Les jeunes auteurs ne connaissent souvent personne qui pourrait les relire.
• Et le prix d’une relecture par un script doctor est élevé.

Pourtant la nécessité d’être lu et d’obtenir un retour sérieux est primordiale.

Sans retours, pas de matière à travailler, pas de progrès, pas de recul et par conséquent pas de bon scénario.

Il fallait que je trouve une solution gratuite pour tous et permettre cet échange constructif.

J’ai donc eu l’idée de mettre en place une plateforme d’échanges entre scénaristes pour les scénaristes.

Le principe est simple : Vous faites un retour sur un scénario, vous recevez un retour sur votre scénario.

Donnant-Donnant.

Et en plus de ça, vous pouvez discuter avec des passionnés, comme vous.

Le principe

• Présentez vous dans le forum.
• Postez votre projet dans l’état (idée, scénario, dialogue, dossier, note d’intention)
• Faites des retours.
• Échangez avec les autres participants.

 La plateforme n’est pas un dépôt de scénario mais un espace d’échanges. Le principe de réciprocité est la règle n°1. Rares sont ceux qui prendront le temps de faire un retour sans vous connaître un minimum.

A qui s’adresse la plateforme ?

Il n’y a pas de mauvais retours ni de retours plus importants qu’un autre.

Autrement dit, il n’y a pas d’exclus.

Vous pouvez même participer sans vous-même mettre en ligne votre scénario.

Au contraire, c’est l’échange, la mise en clarté et les confrontations qui vous feront évoluer.

Pas un retour seul.

Si vous souhaitez participer avec responsabilité et bienveillance, vous êtes bienvenu quelque soit votre niveau.

La seule règle : aimer le cinéma. Mais ça, ça devrait aller.

Et si nous n’avons pas la même vision de la dramaturgie ?

C’est encore mieux. Il y a autant de films que de visions de cinéma.

Je trouve même dommage que la confrontation autour de ce sujet ne soit pas au centre de notre évolution personnel.

J’ai moi-même écrit un livre de 350 pages sur le scénario et je ne suis pas toujours d’accord avec ce que j’ai dit par le passé !

N’évitons pas ce sujet, parlons-en et évoluons ensemble.

C’est payant ?

C’est gratuit.

Et pour toujours.

Vous faites un retour, vous recevez un retour.

Donnant-donnant.

Timothée MEYRIEUX

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maintenant que BITUME est diffusé je peux me permettre de vous partager les avant/après des images préaparatoires, captures du film à l’appui.

J’ai co-écrit avec Léo ce scénario de longue date qu’il a réalisé avec talent.

Vous pouvez le regarder sur mycanal en cliquant ici.

Pour présenter le projet avant sa réalisation j’ai fait énormément de dessins préparatoires pour trouver l’atmosphere du film avec Léo.

Ca peut vous aider à comprendre comment un dossier se construit.

J’ai réalisé ces images principalement en 3D (SketchUp, Photoshop), vous verrez les différences sont majeures mais l’esprit est là.

AVANT (dessin)

​

APRÈS

​

AVANT

​

APRÈS

​

AVANT

​

APRÈS

​Je me permets de vous partager quelques autres dessins qui n’ont eux, pas servis.

A plus!

Tim

Timothée MEYRIEUX

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Show don’t tell

C’est un adage connu dans l’écriture : Show don’t tell. Littéralement, “montre, mais ne dit pas”. Bien que cette maxime ne se limite pas seulement aux émotions des personnages, elle définit très clairement le problème et sa solution.

Il va falloir montrer par le corps, le mouvement, l’expression et la parole ce que ressent le personnage. Ainsi étant, le spectateur par le vu et l’entendu déterminera le langage non-verbal comme la preuve d’un mouvement émotionnel.

La communication non verbale correspond à l’expression du visage et aux postures du corps que l’on
adopte : c’est le langage du corps.

https://www.univ-montp3.fr/infocom/wp-content/REC-La-communication-non-verbale2.pdf

Quoi décrire alors ?

• La tonalité de la voix
• Les mouvements généraux
• La position des bras
• La posture
• Les yeux
• La bouche
• Les actions
• Le comportement
• etc

Petit guide pour décrire l’émotion de ton personnage sans passer par la case description émotionnelle

Je vous donne quelques exemples :

• Pressé
• Occupant ses mains
• Regardant l’heure à répetition
• Apeuré
• Les yeux fermés
• Le souffle coupé
• Un mouvement de recul
• Serrant les dents
• Tremblant
• Rongeant ses ongles
• Serrant très fort un objet
• Heureux :
• Un grand sourire aux lèvres
• Riant à pleines dents
• Parlant avec panache
• La voix égayée
• Nerveux
• Transpirant
• Les mains moites
• Les mains qui tremblent
• Les yeux grands ouverts
• Des mouvements rapides aux alentours

Voilà le tableau trouvé sur instagram qui m’a permis de donner quelques exemples, c’est en anglais mais je pense que vous arriverez malgré tout à comprendre.

Quid de la voix-off

Effectivement, il y a une petite exception : la voix-off. Elle permet en effet de court-circuiter cette logique en mettant en avant la voix intérieur d’un personnage. Ainsi, le spectateur est en mesure d’entendre le monologue intérieur du personnage.

Attention toutefois, cette technique reste anecdotique et ne doit surtout pas se substituer au travail de description du non-verbal.

Au risque de tomber … dans la facilté.

J’espère que ce petit post vous aidera à mieux comprendre la logique.

A plus !

Timothée MEYRIEUX

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A quoi correspondent les chiffres des formats d’image ?

Les formats d’image comme 1,33:1 ou encore 1,77:1 correspondent à des fractions.

Ces fractions correspondent elles, à des rapports entre la longueur et ka largeur de la pellicule

En d’autres termes, si un film est tourné en 1,77:1 cela veut dire que la pellicule a un ratio de 1,77 par 1. Pour 1 cm de largeur, la longueur de la pellicule fait bien 1,77 cm.

Parfois, ces ratios sont exprimés par d’autres chiffres, c’est le cas du 16/9 autre façon de nommer le 1,77:1.

Mais rassurez-vous ! 1,77/1 = 16/9.

Le compte est bon.

Pourquoi les images ont-elle changé de format avec le temps ?

Le changement de format d’image au cinéma est d’abord lié à des mutations technologiques. Bien que certains de ces formats puissent être créés pour des raisons artistiques également… Néanmoins, le motif technologique demeure le principal moteur du changement de format d’image. Il suffit de voir la transition du 35 mm à la projection numérique dans les cinémas du monde entier !

Le changement de format d’image a également des conséquences économiques. En effet, les cinémas et les studios de production ont dû s’équiper au moment du passage de l’analogique au numérique. C’est d’ailleurs la plus grande révolution qu’a dû affronter l’industrie des cinémas durant le siècle écoulé. Pour les fabricants de caméra, ça a été une véritable aubaine. Pour les studios de production et les salles, le choc a été dur à encaisser. Avec de nombreux investissements à la clé. Mais, ils ont été payants car les coûts d’exploitation sont beaucoup moins élevés à l’ère du numérique, en comparaison avec le passé analogique.

Dans cet article, nous allons donc nous intéresser aux différents formats d’image qu’a connu le cinéma. Nous n’allons pas remonter jusqu’aux frères Lumière. Car à cette époque, le cinéma était encore balbutiant et il y avait autant de format différents que de caméras. Il a fallu attendre les premiers accords de branche pour voir apparaître un mouvement d’uniformisation des formats d’images.

Les formats d’images numériques au cinéma

Voici tous les formats d’image actuellement utilisés par les productions hollywoodiennes (grandes ou petites) et leur fonctionnement. Nous avons également inclus dans notre étude des formats qui ne sont utilisés que marginalement aujourd’hui. Mais, qui ont fait la fierté du cinéma mondial pendant plusieurs décennies. Cette liste n’est pas exhaustive mais devrait vous donner une idée de l’état actuel et de l’avenir des formats dans le cinéma…

1. 4K UHD 2160P (3840 x 2160) (numérique, avec ou sans HDR)

Résolutions d’image : 8.3 mégapixels

Résolution en pixels : 3840 x 2160

Méthode de numérisation : Progressif

Rapport d’aspect : 16:9

Ce format est aujourd’hui le plus répandu dans les cinémas du monde entier et remplace les anciens projecteurs HD. Il peut également être utilisé pour produire du contenu pour les services de streaming comme Netflix ou Amazon, qui n’exigent toujours qu’une résolution 4K/UHD (pas de HDR/WCG).

2. RÉSOLUTION 3K DI (numérique, avec ou sans HDR)

Résolution de l’image : 6.17 mégapixels

Résolution des pixels : 2048 x 1080

Méthode de balayage : Progressif

Rapport hauteur/largeur : 1,9 : 1 (16:9) / 2,39 : 1 pour lesScope aspect ratio)

Ce format est parfois utilisé dans le processus de production, notamment pour les plans VFX. L’objectif de cette résolution est de faire des économies sur le stockage et le transfert de données. Cependant, ce n’est pas un choix populaire car la différence avec le 4K n’est pas très grande… En effet, il ne faut pas longtemps pour obtenir des résultats de qualité à partir de 4K DImais quand même…

3. RESOLUTION DI 2K (numérique, avec ou sans HDR)

Résolution de l’image : 4.13 mégapixels

Résolution des pixels : 1920 x 1080

Méthode de balayage : Progressif

Rapport hauteur/largeur : 16:9

Cette résolution est très similaire à la 3K DI mais a une résolution plus faible et nécessite donc plus d’espace de stockage. Elle était également utilisée pour les plans VFX dans le passé mais semble être de moins en moins populaire…

4. 2K (numérique)

Résolution de l’image : 2,07 mégapixels

Méthode de balayage : Progressif

Rapport d’aspect : 16:9

Ce format est également très populaire pour les productions hollywoodiennes. Il peut sembler moins impressionnant que le 4K, mais la différence entre le 2K et le 4K n’est vraiment pas si grande ! Son principal avantage ? La réduction du coût des caméras numériques qui utilisent cette résolution.

Les formats d’images analogiques au cinéma

Mais, même si le numérique prédomine actuellement sur le cinéma mondial, l’analogique résiste plutôt bien. On vous parle maintenant des 4 formats analogiques qui sont actuellement les plus populaires. Même si certains ne sont plus du tout utilisés.

5. IMAX (15/70) 70mm (film, analogique)

Format d’image : 15 perforationspar image

Résolution d’image : 18 mégapixels

Méthode de numérisation : Progressif, analogique

Ce format est l’un des derniers formats de film existants. Il a été créé pour la projection IMAX 70 mm afin d’obtenir une meilleure qualité sur un écran géant. Le résultat ? Une résolution bien supérieure à celle du 35 mm ou du 16 mm ! Par rapport au cinéma numérique,il fournit plus de saturation et de contraste. Cependant, il n’est pas utilisé pour les productions hollywoodiennes…

6. 35 mm (analogique)

Rapport hauteur/largeur : 4:3

Ce format, également connu sous le nom de Digital Intermediate (DI), a remplacé la pellicule 35 mm pour la postproduction des superproductions hollywoodiennes… Généralement, il est utilisé pour assembler des plans filmés sur des formats différents. Un Cinémascope 2K sera donc assemblé en mélangeant un scope 4K UHD avec une version IMAX, par exemple.Le résultat ? Une qualité d’image très proche de la 4K.

7. Super 35 analogique

Rapport hauteur/largeur : 4:3

Ce format est une variante du film 35 mm où l’espace entre les images a été réduit pour permettre son utilisation dans des formats grand écran tels que le Cinémascope ou le Panavision. Certains les caméras, comme l’Arri Alexa 65 ou la Red Weapon 8K, utilisent ce format. Il est généralement utilisé pour filmer des vues larges dans les séries télévisées…

8. Panavision 35mm (analogique)

Rapport hauteur/largeur : 2,35:1

Cette norme cinématographique existe depuis les années 50 et permettait d’obtenir des images de meilleure qualité que le 35 mm tout en..vous permettent de passer du standard 35 mm au super 35.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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Nous vous expliquons dans cet article comment écrire un scénario de jeu vidéo. Premièrement, nous aborderons la place de l’inspiration dans l’écriture d’un scénario de jeu vidéo. Deuxièmement, nous verrons les différents types de scénario de jeu vidéo existants, ce qui signifie qu’il y a déjà eu un travail de conceptualisation de cette activité. Troisièmement, nous analyserons les différents personnages qui entrent dans la création de jeu vidéo. 

La place de l’inspiration dans le scénario de jeu vidéo

Ce qui nous rend excellents dans nos actions, c’est notre capacité à transposer nos visions et notre imaginaire sur papier, à mettre des mots sur les pensées que nous avons eues et à les faire prendre vie à l’écran. 

Quand on se lance dans le scénario de jeu vidéo, notre capacité à assembler une structure narrative à main levée et à transformer ces visions en un scénario écrit est la source primaire de la conception de jeux vidéo. S’il faut écrire un roman ou développer un script pour le prochain RPG, il faut les mêmes compétences pour créer la structure des jeux vidéo. Nous extrapolons légèrement, mais l’important c’est de comprendre le rôle de l’inspiration dans la conception d’un scénario de jeu vidéo.

De nombreuses études menées dans divers domaines ont révélé que les scénarios des jeux vidéos étaient basés sur un grand nombre de sources d’inspirations, allant de la nature, à la société en passant par d’autres jeux vidéo existants.. Nous nous appuyons sur nos propres expériences personnelles lorsque nous créons notre épine dorsale narrative, et nous nous appuyons également sur les expériences d’autres personnes qui ont créé des jeux similaires.

Le rôle de l’inspiration dans la conception de l’univers du jeu

Les jeux vidéo concernent la façon dont nous utilisons et explorons le support, les types de joueurs que nous attirons et les types de joueurs pour lesquels nous perdons éventuellement tout intérêt. Toutes ces choses sont fluides, changent et entrent en collision en réponse aux changements de notre environnement. Lorsque nous réalisons un projet de jeu vidéo, nous devons porter une attention particulière à la façon dont nous utilisons et explorons le support, comment nous attirons les joueurs, comment nous y répondons et ce que nous décidons finalement de faire avec eux. L’inspiration doit donc prendre en compte tous ces aspects du jeu. Et c’est là que nous souhaitons en venir. Car, être créatif ne suffit pas, il faut aussi être particulièrement organisé pour réussir à rédiger un script de jeu vidéo de qualité.

Si nous voulons savoir comment écrire un scénario de jeu vidéo, il est logique de comprendre les différents genres qui existent, pour identifier celui que nous choisirons à chaque nouveau projet.

Les différents types de scénario de jeu vidéo

Il existe quatre grands types de scénario de jeu vidéo. Avant de commencer l’écriture de votre script, vous devez choisir la narration de votre futur scénario de jeu vidéo. Nous allons vous les présenter ci-dessous au fur et à mesure. 

La fiction narrative

Le premier type de récit est la structure narrative classique de la fiction narrative. C’est le genre d’histoire où le protagoniste fait face à un antagoniste qui joue le rôle de méchant, et tout le reste entre les deux est le soutien ou l’arrière-plan du personnage principal. C’est le genre d’histoire qui nous donne envie de regarder ou de lire plus, et c’est aussi le genre de script qui nous donne envie de sauter directement à la fin, tout de suite. Le problème est que, bien que cette structure narrative soit facile à apprendre et à utiliser, il est également très facile de perdre le focus. 

Ainsi, le joueur peut vite se demander ce qu’il fait ici dans le cas où il n’accroche pas au scénario. Ou inversement, si le jeu se focalise trop sur le scénario, nous sommes dans une histoire sans véritablement de plaisir de jouer pour l’utilisateur final.

Le jeu vidéo feuilleton

Le deuxième type de structure narrative dont nous allons parler est le jeu vidéo feuilleton. C’est le type de récit qui donne au joueur une raison de se soucier des personnages et de l’histoire. C’est comme un feuilleton, sauf qu’on transpose ce principe dans l’univers des jeux vidéo. Un bon exemple de cela vient de la série Mass Effect, dans laquelle les décisions que vous prenez auront un effet sur le scénario du jeu et l’expérience de votre personnage dans le jeu. BioWare a même créé toute une série de feuilles de personnage parmi lesquelles les joueurs peuvent choisir afin qu’ils puissent développer leurs propres personnages en fonction de qui serait un bon candidat pour chaque ensemble de décisions et comment ces décisions changent le jeu.

Le scénario de jeu vidéo environnemental

Le troisième type de récit est le scénario environnemental. C’est très large et ça couvre presque tout ce qui se passe dans le jeu. Par exemple, si vous jouez à un jeu de tireur d’élite, l’environnement vous fera probablement tirer. Cependant, vous ne tirerez peut-être pas nécessairement sur tout le monde en vue. Ce type de récit est très flexible et conduit souvent à d’excellentes scènes émotionnelles. C’est le cas de la plupart des First Personal Shooter (FPS), dont le plus connu est sans doute Call of Duty.

Le jeu vidéo avec avatar

Enfin, nous parlerons du dernier type de récit : l’histoire de l’avatar. Les avatars sont essentiellement des représentations humaines dans un programme informatique. Ils peuvent être humains ou animaux, mais ils se démarqueront généralement par un certain nombre de caractéristiques précises. C’est un excellent exemple de la façon d’écrire un script de jeu vidéo, car les décisions que vous prendrez, en tant que joueur, auront un effet direct sur la façon dont le jeu se déroule. Ainsi, vous devez vous assurer de créer des personnages uniques et intéressants.

On peut ranger dans cette catégorie bon nombre de MMO RPG, parmi lesquels on retrouve par exemple Dofus, où chaque joueur doit choisir un type de personnage qu’il spécialisera ensuite dans un second temps.

Comment concevoir les personnages de votre jeu vidéo

Apprendre à créer des personnages dans un script de jeu vidéo est l’une des compétences les plus importantes que vous puissiez acquérir. Les personnages sont le cœur et l’âme de tout jeu vidéo interactif. Les jeux sans personnages laissent le joueur sans envie de jouer. Les jeux sans personnages ni intrigues intéressants laissent le joueur en demande. Il en ressort une sorte de déception.

Quel type de personnage dans votre scénario de jeu vidéo ?

Lorsque vous apprenez à créer des personnages dans un script de jeu vidéo, vous devez d’abord choisir un type de personnage. Ce n’est pas un choix à faire à la légère. Votre personnage doit plaire au joueur, il doit être unique, il doit être convaincant. Après avoir choisi votre personnage, vous devez ensuite rédiger une description de personnage qui donnera au joueur une idée des capacités et des traits de votre personnage.

Les compétences de votre personnage

Ensuite, vous devez écrire les compétences et les attributs que possède votre personnage. Ceux-ci incluent l’intelligence, la puissance, les compétences d’armes, la furtivité, les compétences de combat, l’espace d’inventaire, les compétences d’artisanat, la furtivité et l’endurance. 

Au fur et à mesure de votre processus de création de personnage, vous les ajouterez un par un. N’oubliez pas que si vous créez une quête de développement de personnage, n’incluez pas tout ce dont vous avez besoin pour dire au joueur ce que votre personnage peut faire. Certaines quêtes vous demanderont de trouver certains objets ou ressources qui ne sont pas mentionnés dans votre quête de création de personnage.

C’est le cas par exemple du jeu Minecraft. Bien qu’il y ait un paradoxe apparent entre l’absence de personnage dans les graphismes du jeu (c’est un jeu à la première personne) et le travail sur le personnage principal du point de vue scénario, il est primordial dans ce jeu où les graphismes sont volontairement pauvres, de travailler le contexte, le lieu, les caractéristiques du personnage ; et les possibilités techniques.

Travaillez avec des écrivains

Si vous avez beaucoup de budget pour l’écriture de votre scénario de jeu vidéo, vous pouvez engager un écrivain. Un écrivain professionnel sera capable de construire un personnage convaincant et bien développé dans un script de jeu. D’autre part, vous pouvez également utiliser les nombreux guides et modèles disponibles en ligne gratuitement. Il existe plusieurs guides que vous pouvez lire et suivre pour créer un personnage dans un script de jeu. Ces guides vous permettent de développer un personnage par vous-même et de ne pas compter sur le travail de quelqu’un d’autre.

Bien qu’il puisse sembler tricher d’utiliser un modèle lors de la création de votre propre script de jeu vidéo, c’est en fait la manière la plus pratique de procéder. De nombreux modèles sont disponibles gratuitement en ligne, mais ils ne vous donneront pas la liberté de conception dont vous avez besoin. Lorsque vous utilisez un modèle, vous êtes limité au jeu sur lequel vous travaillez à ce moment-là. La plupart des écrivains expérimentés vous diront que la plupart des jeux vidéo, y compris ceux sur lesquels vous travaillez actuellement, changent constamment, il est donc important de vous assurer que votre personnage est unique et a des traits différents.

Adapter votre personnage au jeu

Ensuite, vous devez réfléchir au type de capacités de votre personnage. Par exemple, vous pouvez créer des personnages capables de se soigner eux-mêmes. Cependant, cela pourrait être une tâche très difficile à faire, vous devrez donc soit donner au personnage un pourcentage de santé très élevé, soit le faire dépendre des autres pour le soigner. De même, vous pouvez également créer des personnages légers et immunisés contre une variété de choses négatives. Cependant, vous ne voudriez pas que votre héros soit toujours en larmes parce que vous ne voulez pas qu’il soit un pleurnichard. C’est là que les scripts de jeu sont si utiles ; ils vous permettent de changer facilement les attributs de votre personnage en fonction de la situation.

L’une des compétences les plus importantes pour savoir comment créer des personnages dans un script de jeu vidéo est de pouvoir identifier rapidement les besoins de votre personnage. Savoir comment créer un script de jeu vidéo revient vraiment à savoir ce dont le personnage a besoin, comment ajouter ces valeurs dans le script et comment supprimer ces valeurs une fois que le joueur a fini de programmer le personnage. Comme vous pouvez le voir, le succès de votre jeu dépendra fortement de la façon dont vous accomplirez ces trois tâches. Voici quelques conseils pour vous aider.

Travaillez avec un schéma actanciel

Pour travailler le gameplay de votre jeu vidéo, il est important de concevoir un schéma dans lequel votre personnage principal évoluera dans un univers plus ou moins complexe qui fait intervenir d’autres types de personnages : les adjuvants, les opposants, les éléments perturbateurs et de résolution. 

Cela ne vous rappelle rien ? Le schéma actanciel est souvent étudié au collège car c’est une puissante technique de structuration narrative de son récit. La construction des personnages est grandement facilitée par ce schéma.

Script de jeu vidéo et choix des langues des personnages

Lorsque vous apprenez à créer des personnages dans un script de jeu vidéo, assurez-vous d’utiliser la bonne langue. Certains mots (comme dollar, par exemple) sont couramment utilisés mais ils doivent être localisés ou écrits avec un accent américain. Assurez-vous également que les noms des joueurs de votre jeu sont uniques et ne copiez pas le nom d’un autre personnage d’un jeu précédent. Vous voulez que votre jeu ait une valeur de rejouabilité, et vous voulez aussi qu’il soit amusant pour tous ceux qui veulent jouer.

Timothée MEYRIEUX

Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.

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