Hello les amis,
J’espère que vous allez bien.
En tant qu’auteur de bande dessinée débutant au Japon, je suis passé par une montagne d’expériences au cours des quatre derniers mois.
Chaque journée de création a été une aventure, et à travers ces péripéties, j’ai appris des leçons précieuses qui ont façonné ma perspective sur cet art captivant.
Voici quelques-unes des leçons les plus marquantes que j’ai tirées de cette aventure créative.
Table des matières
Avoir Peur du Regard des Autres : Un Obstacle à Surmonter
L’une des premières barrières que j’ai dû franchir était la peur du regard des autres. Il est naturel de craindre le jugement, mais cette peur peut devenir un frein créatif.
On a tendance à se censurer, à limiter notre expression artistique par crainte de ne pas être compris ou accepté.
Je me demande souvent : que va dire ma famille sur ce chapitre ?
Cependant, j’ai appris que cette peur est inévitable, mais c’est aussi ce qui confère une valeur unique à chaque histoire.
C’est en embrassant cette vulnérabilité que l’authenticité émerge.
Du coup, je fais l’inverse: si je sens que mon chapitre me met mal à l’aise c’est que je suis sur la bonne voie.
N’aie Pas Peur d’Utiliser des Références
Les références sont des outils puissants. Ce n’est pas tricher.
J’utilise soit des références 3D, des photos, des selfies.
Mon dessin est bien meilleur.
Toujours Se Laisser une Marge de Liberté
Laisser de la place à l’improvisation et à la créativité spontanée est tout aussi crucial.
La magie peut surgir de l’inattendu, et parfois, les meilleures idées naissent au fil de la création.
Garder une marge de liberté permet à l’histoire de respirer et d’évoluer organiquement.
Le Format : Toujours un Climax à la Fin, Donc Structures Différentes
La structure narrative est une clé importante dans la bande dessinée.
J’ai découvert qu’incorporer un climax à la fin de chaque histoire maintient l’intérêt du lecteur.
Expérimenter avec des structures différentes ajoute de la variété et rend chaque projet unique.
C’est comme composer une symphonie, où chaque note contribue à l’ensemble harmonieux.
Faire Attention à Alterner Moments Drôles et Durs
La vie est un mélange d’émotions, et une bande dessinée réussie reflète cette dualité.
Alterner entre des moments drôles et poignants crée un équilibre narratif, permettant aux lecteurs de s’immerger pleinement dans l’histoire.
Travailler son Storyboard à Fond
Le storyboard est l’ossature de la bande dessinée.
Investir du temps dans la planification du découpage, des angles de vue et de la séquence narrative garantit une fluidité visuelle.
Un storyboard solide devient le guide visuel pour le processus de dessin, facilitant la cohérence et la compréhension de l’histoire.
Les Dialogues Doivent Être Très Courts par Rapport au Cinéma
Dans la bande dessinée, chaque mot compte. Les dialogues doivent être concis et percutants, évitant le superflu. Après tout les bulles sont petites.
Comparé au cinéma, la bande dessinée laisse moins de place pour les paroles inutiles.
Chaque bulle de dialogue doit contribuer à l’avancement de l’intrigue ou au développement des personnages.
EFFICACITÉ !
Dessiner Tous les Jours et Tu Verras les Progrès
La pratique quotidienne est la clé de l’amélioration constante.
Dessiner tous les jours, même si ce n’est que pour quelques minutes, accumule des heures de pratique au fil du temps.
C’est ainsi que j’ai constaté des progrès significatifs dans mon style, ma technique et ma confiance artistique.
En conclusion, ces quatre mois en tant qu’auteur de bande dessinée débutant ont été une aventure d’apprentissage intense.
J’ai encore tellement à apprendre !
Chaque défi surmonté a été une leçon gravée dans le processus créatif.
La bande dessinée est un art qui demande courage, créativité et persévérance, mais c’est précisément cette combinaison qui donne vie à des histoires uniques et inoubliables.
Alors je m’accroche !
A très vite !
Je m’appelle Timothée, je suis un jeune auteur passionné. Je partage sur ce blog tout ce que j’apprends sur mon chemin d’auteur en herbes.
